The Sheet Music Library (PDF) is a not-for-profit, subscription library of piano, guitar and vocal scores. Sheet music. Partituras. Partitions. Spartiti. Noten. Partituur. Партиту́ра. 망할 음악 Partitur. 楽譜 Musical scores. 乐谱 Nuty. Bladmuziek. Noty. Free SHEET MUSIC PDFs for educational purposes only.
The soundtrack to Stanley Kubrick’s A Clockwork Orange was released to accompany the 1971 film of the same name. The music is a thematic extension of Alex’s (and the viewer’s) psychological conditioning. The soundtrack of A Clockwork Orange comprises classical music and electronic synthetic music composed by Wendy Carlos.
“March from ‘A Clockwork Orange'” (based on the choral movement of the Ninth Symphony by Beethoven) was the first recorded song featuring a vocoder for the singing; synthpop bands often cite it as their inspiration.
Neither the end credits nor the soundtrack album identify the orchestra playing the Ninth Symphony excerpts; however, in Alex’s bedroom, there is a close-up of a microcassette tape, labeled: Deutsche Grammophon – Ludwig van Beethoven – Symphonie Nr. 9 d-moll, op. 125 – Berliner Philharmoniker – Chor der St. Hedwigskathedrale – Ferenc Fricsay – Irmgard Seefried, Maureen Forrester, Dietrich Fischer-Dieskau, Ernst Haefliger.
In the novel, Alex is accidentally conditioned against all classical music, but in the film, only against Ludwig van Beethoven‘s Ninth Symphony, the soundtrack of a violent Ludovico Technique film that Alex is exposed to. The audience does not see every violent film Alex is forced to view during his Ludovico conditioning, yet the symphony’s fourth movement is heard. Later, using the symphony’s second movement, Mr Alexander, and fellow plotters, impel Alex to attempt suicide.
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Nadie comprende lo que sufro yo Canto pues ya no puedo sollozar, Solo temblando de ansiedad estoy Todos me miran y se van
Mujer, Si puedes tú con Dios hablar, Pregúntale si yo alguna vez Te he dejado de adorar
Y al mar, Espejo de mi corazón, Las veces que me ha visto llorar La perfidia de tu amor
Te he buscado dondequiera que yo voy, Y no te puedo hallar, Para qué quiero otros besos Si tus labios no me quieren ya besar
Y tú, Quien sabe por donde andarás Quien sabe que aventuras tendrás Que lejos estas de mi
Te he buscado dondequiera que yo voy Y no te puedo hallar, Para qué quiero otros besos Si tus labios no me quieren ya besar.
Y tú, Quien sabe por donde andarás Quien sabe que aventuras tendrás Que lejos estas de mi De mi De mi
El bolero Perfidia: de las más famosas canciones de Alberto Domínguez Borrás
Junto con Frenesí, Perfidia es una de las obras más conocidas y versionadas de Alberto Domínguez
Muchas de las canciones que formaron parte de la vida de más de una generación; poco a poco están pasando a formar parte de nuestra historia. Una de ellas es Perfidia, un bolero compuesto en 1939.
Esta canción fue muy popular debido a las diversas versiones que se grabaron y difundieron de ella en la década de los 40. Alrededor de 50 artistas grabaron esta canción en diferentes idiomas; por supuesto, con su sello personal. Los Panchos, Luis Miguel, Glenn Miller, Plácido Domingo y Café Tacvba son solo algunos de los músicos que se sumaron a la lista de intérpretes de Perfidia, que a casi 80 años de su composición, se sigue escuchando.
“Mujer; si puedes tú con Dios hablar, pregúntale si yo alguna vez te he dejado de adorar“
El autor, Alberto Domínguez Borrás, era originario de San Cristóbal de las Casas, Chiapas. Comenzó a componer a los 8 años de edad; y su pieza Frenesí, también alcanzó la fama mundial. Esto sucedió gracias al clarinetista Artie Shaw, y poco antes del éxito de Perfidia. Estos dos hechos, al haber pasado con tan poca diferencia temporal, lo consagraron como uno de los mejores músicos mexicanos de la época.
La intérprete Linda Ronstadt incluyó ambos temas en su álbum Frenesí, de 1992. A pesar del cambio de época, Linda se llevó el Premio Grammy de ese año como Mejor Álbum Tropical Latino.
Alberto Domínguez continuó componiendo hasta la década de los 70. Él falleció en la Ciudad de México el 2 de Septiembre de 1975; pero muchas de sus obras como Dos almas, Humanidad e Hilos de plata se convirtieron en referentes importantes de la música nacional.
En septiembre del 2004, el palacio de Bellas Artes realizó un homenaje a los hermanos Domínguez; pues además de Alberto, Armando y Abel Domínguez también eran músicos. Contándolos a ellos, el matrimonio Domínguez Borrás tuvo dieciocho hijos.
Análisis
El tema se inicia con una variante de la progresión doo wop (I-VI-IV-V) en la que el V es sustituido por un II-V. La segunda frase termina en una semicadencia en el relativo menor (V/VI).
It became famous when it was featured in the 1942 Warner Bros. film Casablanca performed by Dooley Wilson as Sam. The song was voted No. 2 on the AFI’s 100 Years…100 Songs special, commemorating the best songs in film (only surpassed by “Over the Rainbow” by Judy Garland). The song has since become the signature tune of Warner Bros. and used as such in the production logos at the beginning of many Warner Bros. films since 1999, as well as the closing logos to most Warner Bros. Television shows since 2003. It was also the title and theme song of the 1990s British romantic comedy series As Time Goes By.The AFI listed it among its “top 100” movie songs. National Public Radio included it in its “NPR 100”, a 1999 list of the most important American musical works of the 20th century as compiled by NPR’s music editors.
The song is a popular reflection of nostalgia and often used in films and series reflecting this feeling.The original song in the film as sung and played by “Sam” was recorded in D-flat major, but it has since been played in several keys, commonly C major, but also B-flat major, as in Frank Sinatra’s recording, and other keys including A major and E-flat major, the key in which the song was originally published.
Sheet Music Lyrics:
You must remember this A kiss is just a kiss A sigh is just a sigh The fundamental things apply As time goes byAnd when two lovers woo They still say “I love you” On that you can rely No matter what the future brings As time goes by
Moonlight and love songs Never out of date Hearts full of passion Jealousy and hate Woman needs man, and man must have his mate That no one can denyIt’s still the same old story A fight for love and glory A case of do or die The world will always welcome lovers As time goes by
Moonlight and love songs Never out of…
The song “As Time Goes By” and the film Casablanca are inextricably intertwined; it is nearly impossible to think of one without the other. That wasn’t always so. “As Time Goes By” was written in 1931, eleven years before Casablanca debuted. That year the song appeared in a modestly successful Broadway play, Everybody’s Welcome, and crooner Rudy Vallee’s recording reached fifteenth place on the pop charts. After that, the song was virtually forgotten and its composer, Herman Hupfeld, moved on to other musicals.
Herman Hupfeld (February 1, 1894 – June 8, 1951) was an Americansongwriter whose most notable composition was “As Time Goes By“. He wrote both the lyrics and music.
As Time Goes By”
“As Time Goes By” is most famous from the film Casablanca (1942). It was originally written for the Broadway show Everybody’s Welcome (1931), which ran for 139 performances. In 1931, the song was a modest hit, with versions issued on Victor, Columbia, Brunswick and the dime store labels.
The song was featured in the unproduced play Everybody Comes To Rick’s, which was the basis for the Casablanca story and script. Against Max Steiner‘s wishes (he wrote the music for the film), it was decided to feature the 1931 song in the 1942 film. It has been well documented[by whom?] that the producers considered dropping the song in post-production, but since Ingrid Bergman had been given the part of Maria in Paramount’s For Whom the Bell Tolls and had cut her hair for the part, it would not have been possible to reshoot any of her scenes with the song being performed, or to have her request that Sam (Dooley Wilson) play a different song.
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Ennio Morricone, film composer, 1928-2020 – Find his great sheet music in our Library
Ennio Morricone, (10 November 1928 – 6 July 2020) was an Italian composer, orchestrator, conductor, and trumpet player who wrote music in a wide range of styles. Morricone composed over 400 scores for cinema and television, as well as over 100 classical works.
Morricone is widely regarded as one of the greatest and most influential film composers of all time. Ennio Morricone had a proud sense of his status. “Maestro” was how the Italian composer, who has died aged 91, insisted on being addressed. “From my point of view, a question of this kind could be treated as an insult,” he told an interviewer who had the temerity to ask if he collaborated with musicians.
“To my knowledge, neither Beethoven nor Bach nor Stravinsky would invite anybody to work on the arrangements of their pieces.” Hard-working and prolific, he wrote symphonies, concertos, an opera, pop songs, experimental music, and soundtracks for television and theatre. But he will be remembered for his more than 450 film scores, done in a huge range of styles and to the highest levels of musicianship.
The maestro liked to conduct and orchestrate his own work. “The best film music is music that you can hear,” he said in 1995. “Music you can’t hear, no matter how good, is bad film music.” He found his ideal director in Sergio Leone, a former schoolmate in Rome in the 1930s.
The succession of westerns that they made together began in 1964 with A Fistful of Dollars. Its hallucinatory rendering of the cowboy genre owed as much to the music as Leone’s potent visuals. Morricone’s eccentric, inventive scores were like an audio mirage amid the arid landscapes and silent men of the West.
There were twangy electric guitars, clip-clopping rhythms, martial drumming, mariachi horns, whistling, hearty male chorals, ethereal female harmonising, soft-focus ballads and the sounds of whips cracking and pistols firing. Its tone was deadly serious, a virile matter of life and death, yet also laced with a playful, even kitsch, sense of levity.
The result reached beyond genre towards “pure film”, a uniquely cinematic fusion of sound and image. A Fistful of Dollars was based on — or ripped off, as a subsequent lawsuit claimed — a Japanese film, Akira Kurosawa’s Yojimbo. But Morricone and Leone’s union of music and image had a distinctively Italian character.
Their films were dubbed “spaghetti westerns”, a description Morricone detested (“Because it’s not a food!”). He preferred “Italian westerns”. Ennio Morricone influenced many artists from other styles and genres, including Danger Mouse, Dire Straits, Muse, Metallica, Radiohead and Hans Zimmer.
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Morricone sold well over 70 million records worldwide during his career that spanned over seven decades, including 6.5 million albums and singles in France, over three million in the United States and more than two million albums in South Korea.
In 1971, the composer received his first golden record (disco d’oro) for the sale of 1,000,000 records in Italy and a “Targa d’Oro” for the worldwide sales of 22 million.
Baby mine, don’t you cry Baby mine, dry your eyes Rest your head close to my heart Never to part
Baby of mine Little one, when you play Don’t you mind what they say Let those eyes sparkle and shine Never a tear
Baby of mine From your head to your toes (Baby mine) You’re so sweet, goodness knows (Baby mine) You are so precious to me Cute as can be
Baby of mine Baby mine Baby mine
Jim Brickman
James Merrill Brickman (born November 20, 1961) is an American pop songwriter, pianist and radio host. Brickman has earned two Grammy nominations for his albums Peace (2003) for Best Instrumental, and Faith (2009) for Best New Age Album. He won a Canadian Country Music Award, a Dove Award presented by the Gospel Music Association, and was twice named Songwriter of the Year by SESAC. Billboard lists 22 of his albums reaching No. 1 on the New Age chart, and 16 of his songs reaching Top 10 on the Adult Contemporary chart. Four of his albums were certified Gold by the Recording Industry Association of America (RIAA).
Since 1997, he has hosted his own radio show, “The Jim Brickman Show”, which is carried on radio stations throughout the United States.
“Baby Mine” is a song from the 1941 Disneyanimated featureDumbo. The music is by Frank Churchill, with lyrics by Ned Washington. Betty Noyes recorded the vocals for the original film version. In the film, Dumbo’s mother, Mrs. Jumbo, an elephant locked in a circus wagon, cradles her baby Dumbo with her trunk while this lullaby is sung. It is also the last appearance of the circus animals.
“Ebb Tide” is a popular song, written in 1953 by the lyricist Carl Sigman and composer Robert Maxwell. The song’s build up is to illustrate the ocean waves coming in and out to and from the shores, due to the ebb tides. The first three notes are identical to the first three notes of the Erroll Garner song “Misty” (1954). This song is a key part of the original soundtrack of the film Sweet Bird of Youth
(From Wikipedia, the free encyclopedia. Read the full article here)
Lyrics:
First the tide rushes in Plants a kiss on the shore Then rolls out to sea And the sea is very still once more So I rush to your side Like the oncoming tide With one burning thought Will your arms open wide At last we’re face to face And as we kiss through an embrace I can tell, I, I can feel You are love, you are real Really mine in the rain In the dark, in the sun Like the tide at its ebb I’m at peace in the web of your arms Ebb tide
Jim Brickman’s distinctive piano style and captivating live performances have revolutionized the popularity of instrumental music, making him a driving force behind modern American music.
The hit-making songwriter is the best-selling solo pianist of our time earning 21 Number One albums and 32 Top 20 Radio Singles in the industry bible, “Billboard Magazine.” He’s garnered two Grammy nominations, gospel music’s Dove Award, two SESAC Songwriter of the Year Awards, and the Canadian Country Music Award. He also has a music scholarship named for him by his alma mater, the prestigious Cleveland Institute of Music.
Born and raised in Shaker Heights, Ohio, Brickman began his music training at the age of five. But young James wouldn’t conform to the rudimentary regulations of piano lessons. “He didn’t have the knack for it,’ his first teacher would say. That didn’t discourage the tenacious pianist from creating his own unique brand of musical storytelling.
Brickman is one of pop-music’s most fascinating success stories. He jumped from a career as a jingle writer of famous tunes for advertising, to reviving the romantic standard of the popular song. His first album release was 1995’s “No Words,” and he’s gone on to sell eight million albums worldwide.
His star-studded vocal collaborations have crossed genres to feature luminaries like, Martina McBride, Carly Simon, Lady Antebellum, Michael W. Smith, Herb Alpert, Michael Bolton, Donny Osmond, Kenny Rogers, Olivia Newton-John, Johnny Mathis, Kenny Loggins, Jane Krakowski, and a host of country, R&B, Broadway, pop, and jazz musicians.
He’s written three best-selling books, starred in four TV concert specials, and is in the 20th season of hosting the popular syndicated radio show: “The Jim Brickman Show.”
“Hope,” “Faith” and “Peace” are truly at the heart of Jim Brickman’s passionate songwriting. “I write music to be shared — to soothe, to inspire, to celebrate, to love. To me, music is the pure and simple soundtrack to life’s most memorable moments.”
As a true artist that lives and breathes the music he creates, Jim Brickman is thrilled to introduce fans to his most recent songs and perform them live in concert halls across the world.
Le meilleur des 50 ans de musique de film de Michel Legrand : Yentl, Les Parapluies de Cherbourg, L’Affaire Thomas Crown, Un été 42, Les Demoiselles de Rochefort, Les Trois Mousquetaires, Brian’s Song, The Happy Ending … / Enregistré à la Salle Pleyel 2009, Paris
It is difficult to pin the multi-talented Michel Legrand down into one single category. This amazingly versatile singer, songwriter, composer, arranger, conductor and producer has enjoyed a whirlwind career, excelling in an impressively broad range of domains from film soundtracks and French ‚chanson‘ to jazz and classical music.
An international star, who has won as much respect in the United States as he has in Europe, Legrand is an insatiable musician whose creativity and ambition appear to know no bounds. “Melody is the mistress of music”, he is fond of saying. Accompanied by the Orchestre National d’Île-de-France, Michel Legrand is going to prove it again tonight by giving us the pleasure of rediscovering, in their symphonic dress, his most beautiful film scores. And all of this together with the Quebec star Mario Pelchat and the kind participation of some of the big names in French song: Maurane, Liane Foly, Patrick Fiori and many surprise guests.
For the programme for this evening, the composer has compiled a sumptuous panoramic traveling view, spanning over fi fty years of “Legrandish” cinema, as the Americans like to say. Namely, an anthology of vibrant music written for The Umbrellas of Cherbourg, The Young Girls of Rochefort, Yentl and Ice Station Zebra. That’s not all. As the icing on the birthday cake, the maestro will provide us with a bunch of his most famous songs like Summer ‘42, The Windmills of my Heart and How long to die my Youth. A title that looks very much like a profession of faith.
Nous sommes dans un concert de jazz, pas à la messe, dira plaisamment un spectateur à l’entracte, à l’attention d’un voisin mécontent des habituels applaudissements qui ponctuent les solos du London Jazz Band Orchestra. Ces excellents musiciens accompagnent Michel Legrand dans sa tournée mondiale, nous dit le programme, tournée qui débute ce soir avec cette soirée de gala Legrand jazz (Le Grand jazz?). Soirée d’anniversaire, aussi. Le maestro a fêté ses 77 ans il y a trois jours, et il en profite pour fêter également, avec nous, ses cinquante ans de carrière. Une carrière de compositeur, de pianiste et de chanteur, une immense carrière de musicien touche-à-tout.
Quand Michel Legrand nous concocte un concert de jazz uniquement avec les arrangements et orchestration de ses œuvres, concert qui durera près de trois heures (vous n’êtes pas pressés? On est bien partis, là, on s’amuse tellement !), on a tout simplement l’impression de revisiter le répertoire universel des standards du jazz, de feuilleter le Song book des jazzmen du monde entier. Il est vrai que ce diable d’homme a vécu plusieurs vies avec des journées de travail bien remplies – « je passe trois heures à composer une musique de film, je joue du piano pendant deux heures, je termine en chanson« . Voilà un travail qui conserve bien son homme !
« Sur l’écran noir de mes nuits blanches, moi je me fais du cinéma », chantait Claude nougaro en 1962 dans son premier 33 tours sur une musique signée Michel Legrand. Voilà plus de cinquante ans que Michel se fait du cinéma. Pour notre plus grand bonheur. Le cinéma de Michel Legrand, ce sont désormais des images inoubliables gravées en nous : Catherine deneuve sur le quai de la gare de Cherbourg ou dansant sur la place de rochefort avec sa sœur Catherine dorléac, Steve McQueen en gentleman cambrioleur dans L’Affaire Thomas Crown, romy Schneider et Alain delon sur les bords de La Piscine. La liste est longue.
C’est en 1955 qu’il compose sa première musique de long-métrage, Les Amants du Tagede Henri Verneuil, sous le nom de Lucien Legrand. Mais c’est le mouvement de la nouvelle Vague qui va bientôt le hisser sur les cimes de la reconnaissance. François reichenbach (L’Amérique insolite), Chris Marker, Agnès Varda (Cléo de 5 à 7 où il interprète le rôle de Bob) ou Jean-Luc Godard (pour qui il écrit sept scores dont Une femme est une femmeet Vivre sa vie) font à jamais partie de sa première famille de cinéma. « Ils voulaient tous changer le cinéma et travailler avec de nouveaux musiciens. Avec eux, l’imagination était au pouvoir. » La rencontre décisive avec celui qu’il appela son « frère jumeau » fut bien sûr celle de Jacques demy. Quincy Jones ayant au dernier moment déclaré forfait, demy demanda à Legrand de lui écrire en catastrophe la musique de Lola (1961).
On connaît la suite de cette collaboration exemplaire : dix films ensemble dont Les Parapluies de Cherbourg (1964) qui révolutionna totalement la comédie musicale et remporta la Palme d’or à Cannes, jusqu’à Trois places pour le 26 (1988) avec Yves Montand.En 1966, avec toute sa famille, Legrand prend la route de Hollywood, comme Maurice Jarre et, plus tard, Georges delerue. Chaperonné par Henry Mancini, il compose en 1968 la musique de L’Affaire Thomas Crown.« Pour le montage, j’ai proposé à Norman Jewison de se baser sur la musique que j’avais écrite. Le film sera entièrement construit sur l’articulation musicale que j’avais suggérée. » Premier triomphe qui lui vaut un Oscar pour la meilleure chanson originale de film (Les Moulins de mon cœur).
Il regagnera la statuette deux ans plus tard pour la musique de L’été 42. résultat : aujourd’hui, avec plus de 200 musiques de film à son actif, son palmarès cinématographique s’affirme très impressionnant et impose désormais sa « french touch » sur tous les écrans du monde.« La bonne musique de film, c’est celle qu’on n’entend pas ». Michel Legrand s’insurge contre cette formule rabâchée par trop de critiques. Sa riposte est cinglante. « Si la musique de film ne s’entend pas, c’est qu’il ne fallait pas la mettre. Il faut qu’elle s’impose par sa seule présence. À mon sens, la bonne musique de film doit autant servir le film que la musique. »
Tel est son credo. « Un compositeur pour l’image, confie-t-il à Stéphane Lerouge, concepteur de l’anthologie Le cinéma de Michel Legrand (4 Cd Universal Jazz),doit être une plaque photographique. Je conçois d’abord la musique de film comme un second dialogue. Elle doit influer sur la direction émotionnelle de chaque scène et parler à l’inconscient du spectateur pour faire remonter à la surface de l’image des sentiments enfouis, cachés. Ma mission principale est de faire « voir » ce qui n’a pas été tourné. »Le propre d’un compositeur pour l’image est selon lui tout simple : s’adapter à toutes les formes et grammaires cinématographiques. « D’un film à l’autre, comme un comédien, je change de personnage et de costume. »
On comprend que la qualité principale que requiert l’écriture de musiques de film soit pour lui l’éclectisme. Ce qu’il aime d’abord dans son travail pour le cinéma, c’est sa variété permanente. Il doit trouver, mieux « entendre » ce que le film réclame comme environnement musical. d’où la nécessité de connaître tous les styles d’écriture. « Un jour j’écris du jazz, puis un air romantique, le lendemain un scoreclassique, puis de la musique élisabéthaine, puis du baroque. Chaque film est une nouvelle aventure et demande sa propre musique. »Quelle est sa méthode d’écriture ? Il part d’abord du film, sans idée préconçue, sans règle préétablie. Il ne peut pas écrire la musique d’un film avant qu’il ne soit réalisé.
Le montage doit être très avancé avant qu’il se mette à sa table d’écriture. «Je vois d’abord le film dans son ordre chronologique pour mieux suivre la progression de l’œuvre. C’est lui qui me parle, comme les visages, les émotions, les mouvements. Puis, je l’emporte chez moi. Je vis jour et nuit avec lui. Je le regarde en long et en large, en avant et en arrière, scène par scène. C’est une activité solitaire, un long travail d’artisan qui exige la concision. Le vrai travail de compositeur quand il s’agit de « musiquer » une scène, c’est dire en une minute et trente-deux secondes, pas plus, ce qu’on aurait aimé exprimer en plus de cinq minutes. »
Telle est l’impitoyable règle du jeu. Avec un sens mélodique et harmonique en tout point exceptionnel comme fil rouge pour relier l’écriture de toutes ses partitions chatoyantes, enveloppantes, toujours entêtantes.« La mélodie est la maîtresse de la musique », aime-t-il répéter. Accompagné de l’Orchestre national d’Île-de-France, Michel Legrand le prouvera une nouvelle fois ce soir en nous offrant le plaisir de redécouvrir en habit symphonique ses plus belles musiques de films. Avec la vedette québécoise Mario Pelchat et l’aimable participation de grands noms de la chanson française : Maurane, Liane Foly, Patrick Fiori et de nombreux invités surprise. Au programme de cette soirée, le compositeur a imaginé un somptueux travelling panoramique sur cinquante ans de cinéma « legrandish », comme disent les Américains.
À savoir, un florilège des vibrantes musiques écrites pour Les Parapluies de Cherbourg, Les Demoiselles de Rochefort, Yentl, Ice Station Zebra et La Piscine. Ce n’est pas tout. Cerise sur ce gâteau d’anniversaire, le maestro nous offrira également un bouquet de ses plus célèbres chansons comme L’été 42, Les Moulins de mon cœur et Quelleest longue à mourir ma jeunesse. Un titre qui ressemble fort à une profession de foi.
Michel Legrand ou la musique au pluriel
« Depuis mon plus jeune âge, ma seule ambition a été de vivre complètement entouré de musique. Mon rêve, c’est de ne rien omettre, c’est pour cela que je ne m’en suis pas tenu à une seule discipline musicale. J’adore jouer, diriger, chanter et écrire, et ce dans tous les styles. Alors je touche à tout et pas juste à un petit peu de tout. Au contraire, je fais toutes ces activités en même temps, sincèrement et en m’investissant complètement. »C’est ainsi que Michel Legrand décrit son statut de musicien atypique, compulsif, qu’il est impossible de cataloguer ou, du moins, ses multiples statuts de compositeur, chef d’orchestre, pianiste, chanteur, auteur et producteur.
En faisant tomber les barrières qui séparent le jazz de la musique classique et de la chanson populaire, il se sent à l’aise dans tous les styles musicaux. né en 1932, Michel Legrand a hérité de la tradition familiale musicale représentée par son père raymond Legrand et son oncle Jacques Hélian. À l’âge de dix ans, il est entré au Conservatoire de Paris, une expérience qui s’est avérée être une révélation inattendue : « jusque-là, j’avais eu une enfance triste et sans remous », dit-il. « Ma vie tournait autour d’un vieux piano et je m’ennuyais beaucoup. Je me sentais très seul. Tout à coup, lorsque j’ai commencé à suivre le cours de Lucette Descaves sur la théorie de la musique, j’ai découvert un monde qui m’appartenait, des gens qui parlaient ma langue.
À partir de là, j’ai senti que la vie allait m’apporter quelque chose de passionnant et de motivant. »Après plusieurs années d’études d’une discipline de fer auprès de nadia Boulanger, Henri Challan et noël Gallon, Michel Legrand remporte les premiers prix du Conservatoire en harmonie, piano, fugue et contrepoint. Il s’est mis à graviter immédiatement autour du monde de la chanson, il a travaillé comme accompagnateur et directeur musical pour Maurice Chevalier, il a accompagné le fameux chanteur français dans ses tournées internationales – ce qui lui a donné l’occasion de visiter les États-unis pour la première fois. Son album instrumental I Love Paris, classé en tête des ventes d’albums aux États-Unis en 1954, a connu un véritable succès dans ce pays. Son premier album avait également une valeur symbolique importante, révélant son potentiel international : le jeune talent de vingt-deux ans ne regardait pas en arrière et il a bâti une carrière de plus en plus solide en France et à l’étranger.dans les années 1950, Michel Legrand a également commencé à composer pour certains artistes qu’il accompagnait.
Sa première chanson, La Valse des lilas, démontrait un style personnel et une écriture mélodique qui eurent tôt fait de devenir sa marque de fabrique ; « j’ai une foi énorme dans la mélodie », admet-il. « Nadia Boulanger a toujours dit : « Mettez ce que voulez au-dessus et en dessous de la mélodie, mais quoiqu’il en soit, c’est la mélodie qui compte. » Par exemple, la musique moderne a tendance à m’ennuyer à présent. Évidemment, elle comporte des rythmes innovants et différents procédés de contrepoint mais, sans mélodie, son âme, elle, est dénuée de vie et cela contribue à la déshumaniser.
En ce qui me concerne, la mélodie est une maîtresse envers laquelle je serai toujours fidèle. »MICHEL LEGRAND CINEMA2.indd 520/02/09 15:516En 1955, Michel Legrand s’est essayé à la pratique d’un autre mode d’expression lorsqu’il a écrit la musique du film Les Amants du Tage d’Henri Verneuil. Quatre années plus tard, avec l’avènement de la nouvelle Vague française, il est devenu l’un des architectes du renouveau du cinéma français en collaborant avec Jean-Luc Godard, Agnès Varda, François reichenbach et, bien sûr, Jacques demy, son alter ego créatif avec qui il a inventé un nouveau genre de film musical.
En plus d’avoir reçu la Palme d’or au Festival de Cannes et le Prix Louis-delluc, le film Les Parapluies de Cherbourg a rencontré un succès mondial en dépit des pronostics pessimistes des professionnels du cinéma. « Jacques et moi avons dû travailler très dur pour lancer ce projet, se rappelle-t-il, les producteurs nous ont montré la porte en disant : « vous êtes deux braves garçons, mais croyez-vous vraiment que les gens vont passer une heure et demie à écouter des personnages chanter les petites choses insignifiantes de la vie ! »
Ils redoutaient de financer un film où les chants remplaçaient le dialogue et qui avait un côté réaliste, qui rappelait trop la vie de tous les jours. Après une année incertaine, les choses ont commencé à bouger de nouveau grâce à Pierre Lazareff (qui nous a fait connaître Mag Bodard, un jeune producteur) et mon ami Francis Lemarque avec qui j’ai enregistré la musique. En d’autres termes, Les Parapluies de Cherbourg estune œuvre réalisée envers le jugement raisonné de tous ! »Chantée initialement par nana Mouskouri, la chanson de la séparation des amoureux (Je ne pourrai jamais vivre sans toi) est devenue un standard, largement redevableà l’adaptation de la version anglaise de norman Gimbel (I Will Wait for You) et aux versions de Frank Sinatra, Tony Bennett, Louis Armstrong, Liza Minelli, etc. Michel Legrand a continué à mettre en musique les paroles ingénieuses de Jacques demy (Les Demoiselles de Rochefort, Peau d’âne, Trois places pour le 26), bien qu’il se soit installé à Los Angeles en 1968 pour ce qu’il qualifie de « changement de scène ».Après le succès de L’affaire Thomas Crown et sa chanson Les Moulins de mon cœur(The Windmills of Your Mind), Michel Legrand a décidé de partager son temps entreParis et Hollywood, et travailler sur tout ce qui lui plaira : Un été 42, Lady Sings the Blues, Jamais plus jamais, Yentl, Prêt-à-porter, etc.
Considérant la musique de film comme une autre forme de dialogue, Michel Legrand est le seul compositeur européen dont la filmographie inclut les noms d’Orson Welles, Marcel Carné, Clint Eastwood, norman Jewison, Louis Malle, Andrzej Wajda, richard Lester, Claude Lelouch, pour ne citer qu’eux. néanmoins, ses récompenses prestigieuses dans le domaine de la musique pour le grand écran (trois Oscars) n’ont eu aucun impact sur sa créativité. « Un Oscar, précise-t-il avec conviction, est une médaille, une flatterie, le goût agréable du succès mais, en votre for intérieur, cela ne fait de vous ni un meilleur ni un pire compositeur, vos points forts et vos points faibles restes inchangés. Lorsque j’étais enfant, j’imaginais que j’avais un pot de graisse qui donnerait des pouvoirs surnaturels : si j’y trempais les doigts, j’aurais la technique d’un Horowitz.
Malheureusement, les statuettes d’Oscar ne sont pas trempées dans la graisse ! De toute façon, ce n’est pas ce qui compte : j’ai écrit toute cette musique pour et à cause du cinéma, sans les films, rien de tout cela n’existerait. »
En 1964, Michel Legrand décida d’interpréter ses chansons lui-même, ajoutant ainsi une autre corde à son arc. Sa voix, qu’il n’avait pas coutume d’utiliser dans ce contexte, devint un instrument supplémentaire. « Mon idée, reconnaît-il, était simplement d’essayer et de voir ce qu’il en était. Je l’ai fait aussi pour surmonter ma timidité. Après des années sur scène, dos au public, je me suis décidé à faire le contraire, à me tourner et faire face aux spectateurs. En fait, j’ai été séduit par l’idée après que Jacques Brel m’a demandé de faire la première partie de son spectacle à l’Olympia. J’ai été vraiment surpris, autant que Claude Nougaro a été surpris lorsque je l’ai encouragé à interpréter les chansons que nous avions écrites ensemble (Les Don Juan, Le cinéma). Ces choses démontrent comme nous sommes tous liés les uns aux autres, comme dans un engrenage.
Grâce aux encouragements de Jacques Brel, j’ai sauté le pas… » Michel Legrand a travaillé sa voix et s’est concentré en particulier sur la construction d’un répertoire avec deux auteurs de son choix : Eddy Marnay (Les Moulins de mon cœur,Quand on s’aime, Les Enfants qui pleurent) et Jean dréjac (Comme elle est longue à mourir ma jeunesse, Oum le dauphin, L’Été 42). Par la suite, il a eu l’opportunité de mettre en musique les paroles de Jean-Loup dabadie, Boris Bergman, Françoise Sagan et Jean Guidoni, et en 1981, il écrivit lui-même les paroles de son album Attendre… qu’il interpréta et composa également.
En Amérique, la fidélité de Michel Legrand envers Alan et Marilyn Bergman a donné naissance à de grandes musiques de films, généralement des thèmes musicaux (The Summer Knows, How Do You Keep the Music Playing?, The Way He Makes Me Feel).Après plus de quarante-cinq années consacrées à composer, Michel Legrand déborde de créativité comme jamais. Constamment à la recherche de nouvelles rencontres et collaborations, c’est un inventeur infatigable, refusant d’établir une hiérarchie entre les genres musicaux (« Pour moi, un beau tango vaut plus que certaines œuvres de Wagner… »).
Il considère que la composition est également un mode d’introspection original : « La manière de faire des progrès, déclare-t-il, consiste à être l’unique personne à pouvoir créer des choses auxquelles personne n’a pensé auparavant. C’est aussi une manière d’en savoir plus sur soi-même. Je veux avoir plus conscience de ce que je peux faire, même si cela implique d’aller trop loin. Je veux que mon bateau poursuive son voyage à travers les vagues, je dois expérimenter de nouvelles traversées et voir où elles me mènent.
Ceci dit, je suis extrêmement organisé sur le plan mental du fait de mon éducation classique. Je travaille souvent sur plusieurs projets simultanément. Je passe trois heures à composer la musique d’un film, je joue du piano pendant deux heures, je termine une chanson. En fait, chaque création est une version de la précédente création. Quand bien même, la musique reste un ensemble infini d’équations qu’il faut résoudre. Parfois, une idée vous vient en tête, vous pouvez la visualiser et vous pouvez déjà l’entendre.
Vous vous précipitez pour écrire la partition en imaginant a priori que ce sera simple et facile. Faux ! Nombre d’obstacles apparaissent tout à coup : la forme, le contenu, de petits détails, parce que si vous souhaitez être original, chaque mesure pose problème. »
Un autre trait caractéristique de la personnalité de Michel Legrand est qu’il rejette le concept de carrière : « Je déteste l’idée de buts, de résultats, de limites. Je suis un artiste, pas un homme politique. Je puise ma motivation dans la vie et dans la richesse et la diversité de tous types de musique. Sans oublier que ce qui est vraiment important c’est de rester un débutant. L’une des périodes les plus stimulantes de la vie correspond au moment où vous découvrez les choses, lorsque vous apprenez. Lorsque vous devenez trop compétent, votre spontanéité disparaît, vous ne craignez plus rien. J’espère ne jamais devenir quelqu’un que l’on décrit froidement comme étant « très professionnel ». Tout au long de ma vie, j’ai toujours voulu varier mes plaisirs musicaux et rester un éternel débutant, sans jamais rationaliser les choses en termes de « carrière ».
Stravinski avait déclaré une fois : « Nous autres insomniaques sommes toujours à la recherche d’un endroit frais sur l’oreiller ». Pendant des années, je n’ai eu de cesse que de rechercher cet endroit ! »Il est impossible de dire tout ce qu’il y a à dire sur Michel Legrand en quelques lignes, pour décrire son amour du jazz, ses bœufs avec Miles davis, Stan Getz, Phil Woods ou Stéphane Grappelli, ses rencontres avec les grands noms de la musique classique (Kiri Te Kanawa, Jessye norman, Maurice André) ou de la chanson populaire (Yves Montand, Barbra Streisand, Charles Aznavour), pour expliquer comment il est devenu producteur de films (Cinq jours en juin) ou comment il a créé l’histoire remarquable de Passe-muraille, un opéra bouffe écrit par didier Van Cauwelaert, à l’affiche aux Bouffes-Parisiens pendant un an, de 1997 à 1998.
En tous cas, même s’il doit encore avoir des projets magnifiques en stock, Michel Legrand a déjà réussi à réaliser un défi singulier, celui de vivre plusieurs vies en une seule.Plusieurs collections consacrées à Michel Legrand ont vu le jour au niveau international depuis les années 1980. Mais en 2001, Mercury et Universal ont finalement décidé d’éditer une anthologie officielle de l’œuvre de Michel Legrand, qui résume la carrière du chanteur-compositeur-musicien aux talents divers et variés. L’année qui précéda la sortie de cette anthologie, Michel Legrand reçut l’hommage d’une pléthore de vedettes interprétant ses standards lors d’un concert en plein air dans la cour du Louvre pour la Fête de la musique.
En 2003, il s’est vu remettre la Légion d’honneur.En 2005, Universal Jazz a édité Le Cinéma de Michel Legrand, un coffret avec les compilations des musiques de films les plus connues composées par Michel Legrand. Mais lui-même semblait réticent à se concentrer sur le passé et ne s’est pas impliqué dans la production de cette compilation de ses « meilleurs succès au cinéma ». Toutefois, le coffret de 4 Cd s’est avéré être un véritable trésor musical compilant 90 titres composés au cours des cinquante ans de carrière de Michel Legrand. En juin de la même année, Michel Legrand est retourné en studio. Cette fois-ci, il ne s’agissait pas de composer ses propres œuvres, mais de rendre hommage à son ami et collègue musicien, le chanteur toulousain Claude nougaro (décédé en 2004).
En collaboration avec des grands noms du jazz, et à l’aide d’enregistrements de la voix de nougaro, Michel Legrand a enregistré de nouvelles versions de nombreuses chansons moins connues du Petit Taureau, chansons qu’ils avaient écrites ensemble lorsde leurs nombreuses collaborations. L’album Legrand Nougaro, qui a la teneur d’une excentricité du jazz plutôt que d’une stricte affaire de chansons, inclut également des morceaux classiques de Claude nougaro retravaillés tels que Les Don Juan, Le Cinéma et Le Rouge et le Noir. Il comporte un bonus spécial, la nouvelle chanson Mon dernier concert, que nougaro avait écrite avant sa mort mais qu’il n’avait jamais enregistrée lui-même.
En 2008, la deuxième comédie musicale de Michel Legrand, Marguerite, un spectacle créé avec Alain Boublil et Claude-Michel Schönberg, s’est jouée à Londres au Theatre royal Haymarket. Marguerite se jouera également à Tokyo cette année. Une reprise du film Les Parapluies de Cherbourg aura lieu à Londres en 2009 et à Tokyo en 2010.
Michel Legrand et Mario Pelchat deviennent complices le temps d’un album et pour la première fois, un interprète, Mario Pelchat, consacrera un album entier aux plus grands succès du prolifique musicien. Le Québécois a choisi des chansons tirées du vaste répertoire de Legrand, puis est allé à sa rencontre en France. Les deux viennent tout juste de compléter l’enregistrement de l’album et un spectacle suivra à compter d’avril prochain.Couvert de récompenses musicales et de distinctions, primé par les Oscars, ce formidable talent n’a jamais laissé le succès lui monter à la tête ou assombrir son prodigieux appétit artistique.
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The film explores themes of childhood friendships, love, lust, greed, betrayal, loss, broken relationships, together with the rise of mobsters in American society.
It was the final film directed by Leone before his death five years later, and the first feature film he had directed in 13 years. It is also the third film of Leone’s Once Upon a Time Trilogy, which includes Once Upon a Time in the West (1968) and Duck, You Sucker! (1971).The cinematography was by Tonino Delli Colli, and the film score by Ennio Morricone. Leone originally envisaged two three-hour films, then a single 269-minute (4 hours and 29 minutes) version, but was convinced by distributors to shorten it to 229 minutes (3 hours and 49 minutes).
The American distributors, The Ladd Company, further shortened it to 139 minutes, and rearranged the scenes into chronological order, without Leone’s involvement. The shortened version was a critical and commercial flop in the United States, and critics who had seen both versions harshly condemned the changes that were made. The original “European cut” has remained a critical favorite and frequently appears in lists of the greatest gangster films of all time.
Music
The musical score was composed by Leone’s longtime collaborator Ennio Morricone. “Deborah’s Theme” was written for another film in the 1970s but was rejected. The score is also notable for Morricone’s incorporation of the music of Gheorghe Zamfir, who plays a ‘s pan flute. Zamfir’s flute music was used to similar effect in Peter Weir‘s Picnic at Hanging Rock (1975). Morricone also collaborated with vocalist Edda Dell’Orso on the score.
Besides the original music, the film used source music, including:
“God Bless America” (written by Irving Berlin, performed by Kate Smith – 1943) – Plays over the opening credits from a radio in Eve’s bedroom and briefly at the film’s ending.
“Yesterday” (written by Lennon–McCartney – 1965) – A Muzak version of this piece plays when Noodles first returns to New York in 1968, examining himself in a train station mirror. An instrumental version of the song also plays briefly during the dialogue scene between Noodles and “Bailey” towards the end of the film.
“Summertime” (written by George Gershwin – 1935) An instrumental version of the aria from the operaPorgy and Bess is playing softly in the background as Noodles, just before leaving, explains to “Secretary Bailey” why he could never kill his friend.
“Amapola” (written by Joseph Lacalle, American lyrics by Albert Gamse – 1923) – Originally an opera piece, several instrumental versions of this song were played during the film; a jazzy version, which was played on the gramophone danced to by young Deborah in 1918; a similar version played by Fat Moe’s jazz band in the speakeasy in 1930; and a string version, during Noodles’ date with Deborah. Both versions are available on the soundtrack.
“Night and Day” (written and sung by Cole Porter – 1932) – Played by a jazz band during the beach scene before the beachgoers receive word of Prohibition’s repeal, and during the party at the house of “Secretary Bailey” in 1968.
