Astor Piazzolla: su musica y su vida

Astor Piazzolla: su musica y su vida

El tango es un género popular complejo que involucra danza, música, poesía, filosofía, narrativa y teatro. También une elementos culturales y estéticos africanos, americanos y europeos. El estudio del tango ofrece una clave para comprender el crisol que formó la sociedad argentina. Entre 1821 y 1932, Argentina fue el segundo mayor receptor de inmigración del mundo (Estados Unidos fue el primero y Canadá el tercero). El tango se convertiría en la música nacional de Argentina, metáfora de sonoridades diversas y voces plurales, y expresión de un profundo repertorio emocional.

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Durante el siglo XIX, muchos compositores destacados introdujeron elementos nacionalistas en su música, en parte como reacción al predominio de la música alemana. Una vida para el zar (1836) de Mikhail I. Glinka inició un movimiento nacionalista ruso en la música, que fue sostenido por Mussorgsky, Balakirev, Rimsky-Korsakov y Prokofiev. Las composiciones de Lizst expresaron el espíritu húngaro, que luego intensificaron Bartók y Kodály. Smetana, Dvorák y Janácek utilizaron melodías y ritmos bohemios. Noruega tenía a Grieg; Finlandia, Sibelius; y España tenía a Falla, Albéniz y Granados. En el siglo XX, Inglaterra tenía a Holst y Vaughan Williams; Estados Unidos tenía a Copland, Gershwin, Ives y Bernstein; Brasil tenía a Villa-Lobos; y Argentina tenía a Ginastera y Piazzolla.

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Nonino" Astor Piazzolla y su Quinteto Tango Nuevo - Vredenburg Music Hall, Utrecht, 1984

ASTOR PIAZZOLLA: Bandoneón. FERNANDO SUAREZ PAZ: Violín HÉCTOR CONSOLE: Contrabajo OSCAR LÓPEZ RUIZ: Guitarra eléctrica PABLO ZIEGLER: Piano

Astor Piazzolla (1921-92) fue un compositor de tangos modernos de formación clásica, cuya música reflejaba e inspiraba los sentimientos más profundos. Muchas veces decía que tuvo tres maestros: Alberto Ginastera, Nadia Boulanger y Buenos Aires. Aunque Piazzolla conservó el espíritu esencial del tango, escribió tangos para los oyentes e introdujo la disonancia, la armonía cromática y una gama más amplia de ritmos. Su música, demasiado compleja para la mayoría de los tangueros conservadores, encontró una fuerte resistencia entre los puristas. Se cuenta que en los años 50, cuando Piazzolla dirigía una sinfónica, un músico de la orquesta comentó: “Supongo que no tienes nada que ver con ese Piazzolla que toca tangos”.

Sin embargo, la audiencia de la obra de Piazzolla es amplia e incluye amantes de la música clásica, fanáticos del jazz e incluso músicos de rock. Sus composiciones combinan elementos del jazz, el tango y la música clásica, particularmente de Bartók y Stravinsky. Piazzolla logró una rara simbiosis entre elementos compuestos e improvisados, lo que le da a su música una individualidad y un atractivo distintivos. Paquito D'Rivera describió la música de Piazzolla como un "vehículo para fusionar la música latina con el jazz" y la comparó con el estilo "bebop" inventado por Dizzie Gillespie, Charlie Parker y Thelonious Monk.

Aunque el bebop estaba sólidamente basado en estilos de jazz anteriores, se lo consideraba revolucionario. El “nuevo tango” de Piazzolla estaba en sintonía con una nueva Argentina, que tenía temas y sonoridades diferentes. Durante la vida de Piazzolla, Buenos Aires cambió dramáticamente, de una pequeña aldea a una metrópolis moderna dentro de una aldea global. Mi libro reciente, Le Grand Tango, es la primera biografía a gran escala de Astor Piazzolla. Se basa en cuatro años de investigación y más de doscientas entrevistas con sus compañeros músicos, familiares, amigos y otros asociados.

Piazzolla era un argentino y cosmopolita, que se sentía como en casa en Nueva York, París, Milán, Roma, Buenos Aires y Punta del Este. Escribir este libro fue una aventura de cuatro años, durante los cuales viajé por Europa, Norteamérica y Uruguay. El propio Astor Piazzolla grabó más de ochocientas piezas, una cuarta parte de su producción total, y tuve la extraordinaria oportunidad de escuchar toda su música grabada. Piazzolla es reconocido por la SACEM (Societé des Auteurs, Compositeurs et Éditeurs de la Musique, de París) como un compositor inusualmente prolífico. Astor Piazzolla nació en Mar del Plata, Argentina, de ascendencia italiana en 1921. Sus abuelos habían inmigrado del norte y sur de Italia: de Lucca en Toscana y Trani en la región de Puglia. Los padres de Astor, Vicente Piazzolla y Asunta Manetti, eran argentinos, pero trasladaron a la familia a Nueva York cuando él tenía cuatro años.

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En consecuencia, Astor creció en el Lower East Side y aprendió el tango escuchando los discos de su padre de Carlos Gardel y Julio De Caro. El padre de Astor tocaba el acordeón y la guitarra; ocasionalmente actuó en festivales italianos y compuso al menos un tango. Cuando Astor tenía ocho años, su padre le compró un bandoneón de segunda mano. Según contó, un tío, Octavio Manetti, estaba de visita en Nueva York cuando vio la caja exprimible en un escaparate, a la venta por 18 dólares. Cuando le presentaron el bandoneón, recuerda Astor, lo miró mucho tiempo antes de atreverse a apretar los botones.

El bandoneón es un tipo de concertina alemana grande y de extremos cuadrados, mejor conocido por su papel en las orquestas de tango. En lugar de teclados, tiene botones: 38 botones para la mano derecha y 33 para la izquierda. Cada botón puede producir dos notas, inflando o desinflando la caja de compresión. Si bien el acordeón es un instrumento extrovertido, el bandoneón es introvertido. Tiene una sonoridad grave que parece expresar nostalgia y melancolía, emociones propias de los inmigrantes a la Argentina de principios del siglo XX. Es difícil imaginar un concierto de tango sin bandoneón: es el instrumento del tango por excelencia. Durante la Depresión, los Piazzolla regresaron a Mar del Plata por unos meses. Astor tomó algunas lecciones de bandoneón con los hermanos Pauloni, aprendiendo técnicas básicas, así como yeites tangueros (trucos de 2 tocando).

A su regreso a Nueva York, Piazzolla y un amigo comenzaron a realizar frecuentes visitas a Harlem para escuchar a Cab Calloway y Duke Ellington. Años más tarde, recordó cómo se paraban afuera del Cotton Club para escuchar actuar a Calloway. En ese momento, Astor estaba estudiando música con un pianista argentino, Andrés D'Aquila, y unos meses después, con Terig Tucci, bandoneonista y arreglista. Su padre lo envió a una academia de armónica y Astor tocó el bandoneón en público varias veces. Béla Wilda, alumno de Sergei Rachmaninoff, vivía cerca de la familia Piazzolla. Una vez que Astor la conoció, la escuchó tocar Bach durante horas. Después de esto, aprendió a tocar Bach y Chopin en el bandoneón.

Hubo muchas otras influencias en el desarrollo musical de Astor. Cuando era niño, le pagaron 25 dólares por interpretar a un vendedor de periódicos en la película “El día que me quieras” (1935), protagonizada por el famoso cantante de tango Carlos Gardel. Años más tarde, Piazzolla dijo: "¡Todo se te mete bajo la piel! Mis acentos rítmicos son incluso como la música popular judía que escuché en las bodas".5 El arreglo rítmico 3-3-2 se escucha en la música klezmer. Este patrón se asemeja a los acentos 3-3-2 –con énfasis en la primera, cuarta y séptima corchea en un compás de 4/4– que derivan de la milonga y la habanera, que dieron origen al tango. Los Piazzolla finalmente regresaron a Mar del Plata en 1937, cuando Astor tenía dieciséis años. Allí escuchó horas de música de tango en la radio, principalmente de las bandas dirigidas por Julio De Caro, Osvaldo Pugliese, Pedro Maffia, Pedro Laurenz, Elvino Vardaro, Miguel Caló, Alfredo Gobbi y Ciriaco Ortiz.

Estos músicos habían creado nuevos arreglos para melodías tradicionales de tango, agregando armonía y contrapunto sofisticados. Astor continuó sus estudios de piano en Mar del Plata hasta los dieciocho años, y luego se mudó a Buenos Aires, convirtiéndose en bandoneonista de varias bandas de tango. Todas las noches iba al Café Germinal a escuchar a Aníbal “Pichuco” Troilo. Una noche Troilo buscaba un nuevo bandoneonista y le pidió que hiciera una audición. Piazzolla interpretó Rhapsody in Blue de Gershwin y fue contratado en el acto. Piazzolla trabajó con Troilo como bandoneonista y arreglista durante seis años, desde 1939 hasta 1944.

A veces no estaban de acuerdo; Troilo prefería la sencillez y la música bailable, y Piazzolla siempre intentaba incorporar arreglos intrincados. Troilo le decía rotundamente: “No, muchacho, eso no es tango”. Aunque la desaprobación de Troilo le dolió, Astor siguió jugando como quería. Incluso en el estilo de tocar, diferían: Troilo se sentaba y sostenía el bandoneón de la manera tradicional, pero Piazzolla se mantenía de pie y balanceaba el instrumento sobre su pierna.

En 1942, Piazzolla se casó con Odette (Dedé) Wolff. Nacieron dos hijos: Diana Irene en 1943 y Daniel Hugo en 1945. Su joven familia llevaba una vida feliz y tranquila en Buenos Aires. Piazzolla y las “tres D” (Dedé, Diana y Daniel) disfrutaron de excursiones a cines y restaurantes. Los niños pronto aprendieron a respetar la necesidad de silencio de su padre mientras componía en casa. En 1946, Piazzolla formó su primera banda. Cabe mencionar que aunque tocó en muchos locales nocturnos, Piazzolla nunca perdió el disgusto por ellos. Se resistió al estilo de vida de su grupo de compañeros, muchos de los cuales vivían con mujeres que frecuentaban los cabarets. Piazzolla no se sentía tentado por las chicas de cabaret y su padre le había inculcado el horror a las enfermedades venéreas. De hecho, Piazzolla se había convertido en un músico intensamente dedicado y disciplinado. En ocasiones, después de tocar con Troilo en el Tibidabo hasta las cuatro de la mañana, asistía tres horas después a los ensayos con la Orquesta Filarmónica en la Ópera Colón.

Astor Piazzolla deseaba seriamente dominar la composición clásica. Cuando Arthur Rubinstein estaba de visita en Buenos Aires en 1940, Astor tocó el timbre de su puerta y le regaló una de sus partituras. Rubinstein sugirió que estudiara con Alberto Ginastera, un destacado compositor argentino que era, de hecho, contemporáneo de Piazzolla. Piazzolla se convirtió en el primer alumno de Ginastera y tomó lecciones muy temprano en la mañana. Ginastera ordenó a Astor que analizara partituras de Stravinsky y Bartók. Bartók había explorado sistemáticamente la música campesina húngara, pero creó una música universal que reflejaba las influencias de Liszt, Strauss, Debussy y Stravinsky.

Argentina experimentó un cambio político radical después de la elección del populista Juan Domingo Perón, quien fue presidente de 1946 a 1955. Varios artistas de tango apoyaron abiertamente a Perón, pero a los directores que se negaron a unirse al partido peronista se les prohibió dar presentaciones en la radio. Aunque la banda de Piazzolla continuó actuando en la ciudad y los suburbios, la disolvió a mediados de 1949, casi con certeza debido a presiones políticas.9 El gobierno de Perón no sólo rompió con la política laboral y las prácticas sociales tradicionales, sino que incluso promovió nuevos estilos de entretenimiento y vida nocturna.

El gobierno tomó el control de las transmisiones de radio en 1946 y, a partir de 1951, también de las transmisiones de televisión. Por primera vez en Argentina, los trabajadores literalmente se apoderaron del espacio público urbano. Las manifestaciones públicas a menudo se convertían en festivales, con masas de gente bailando y bebiendo en las calles. Entre la multitud de parejas de baile, los pasos del tango se hicieron más cortos y la música más fuerte. A Perón, consciente de la popularidad del tango, le gustaba ser fotografiado en compañía de músicos y asistir ocasionalmente a algún festival de tango. La economía argentina estaba decayendo lentamente, pero pocos parecían preocuparse mientras hubiera dinero para gastar. De alguna manera el “peronismo” contribuyó a la popularización del tango; Ciertamente hay una yuxtaposición histórica. Argentina se cerró al mundo y, sin embargo, su cultura popular floreció. Perón era autoritario, un manipulador, un gattopardo, cuyo régimen rompió con tradiciones de todo tipo. Las políticas de Perón trajeron cambios radicales que afectaron todo en Argentina, incluidas las artes escénicas.

La vieja economía argentina se había basado en las exportaciones agrícolas. Para incorporar a la clase trabajadora y a los inmigrantes internos al sistema político, Argentina necesitaba industrializarse. El régimen totalitario de Perón introdujo el compre nacional, una política de favorecimiento de los productos argentinos, con la posterior prohibición de las importaciones. En agosto de 1953, el número vivo se hizo obligatorio en todas las salas de cine. Se impulsó la industria cinematográfica nacional. Se aprobó una norma que obligaba a que cualquier grupo interpretante (mayor que un trío) fuera argentino. Asimismo, el 75% de los artistas escuchados en la radio debían ser argentinos. Otra regulación restringió la cantidad de música grabada en transmisiones a sólo el 30%, lo que creó más empleos para los intérpretes argentinos y limitó el negocio de las compañías discográficas.

La música de Piazzolla fue bien recibida en una era populista, a pesar de que era un antiperonista admitido. La década de 1940 se convirtió en la década dorada del tango, y Piazzolla fue su revolucionario. A principios de la década de 1950, Piazzolla había escrito varias obras clásicas. Dejó de tocar el bandoneón por unos años y se dedicó a escribir música para cine.

En 1953, el director y violista alemán Hermann Scherchen visitó Buenos Aires. Scherchen había fundado la Sociedad de Música Nueva de Berlín en 1918 y era un ferviente defensor de la música del siglo XX, especialmente la de Schoenberg y Webern. Piazzolla recibió de él algunas lecciones de orquestación. Poco después, Piazzolla compitió por el Premio Fabien Sevitsky y ganó una beca de un año para estudiar con Nadia Boulanger en París. Al mismo tiempo, su esposa Dedé ganó un premio para estudiar con André Lohte, un influyente profesor y crítico de arte moderno que fundó la Académie Montparnasse. Así, la familia se trasladó a París en 1954. Estudiar con Nadia Boulanger fue una oportunidad extraordinaria para Piazzolla. Entre sus alumnos se encontraban compositores como Copland, Harris, Thomson, Carter, Quincy Jones, Berkeley y Piston. (En la Bibliothèque Nationale de París se conserva una gran colección de su correspondencia con los estudiantes).

Sin embargo, Boulanger pronto le dijo a Piazzolla que su música estaba “bien escrita, pero carecía de sentimiento”, veredicto que ella entregó a la mayoría de los alumnos. Esto desanimó mucho a Piazzolla, y durante un tiempo caminó por las calles y contó sus aflicciones a sus amigos. Boulanger pronto lo sacó de su malestar preguntándole sobre la música que tocaba en Argentina. Cuando Piazzolla mencionó el tango a regañadientes, exclamó: "¡Me encanta esa música! Pero tú no tocas el piano para interpretar tangos. ¿Qué instrumento tocas?". Piazzolla, de mala gana, le dijo que tocaba el bandoneón. Boulanger le aseguró que había escuchado el instrumento en música de Kurt Weill y que el propio Stravinsky apreciaba sus cualidades. Luego convenció a Piazzolla para que tocara uno de sus tangos en el piano y él eligió “Triunfal”. En el octavo compás, Boulanger lo tomó de las manos y le dijo con firmeza: "¡Este es Piazzolla! ¡No lo dejes nunca!".

Piazzolla grabó sus nuevos tangos con una orquesta de cuerdas de la Ópera de París. En el grupo también figuraba el pianista de jazz argentino Lalo Schifrin, pero pronto tuvo que salir de gira y fue sustituido por Martial Solal, el más grande pianista de jazz europeo. En París, Piazzolla escuchó, entre otras bandas, a Gerry Mulligan y su conjunto. Mulligan, saxofonista barítono y arreglista, se encuentra entre las figuras más versátiles del jazz moderno. Lo que Piazzolla recuerda es "la alegría en el escenario. Era como una fiesta: sonaba el saxo, sonaba la batería, todo pasaba al trombón; estaban felices". “Swing” era una palabra que Piazzolla usaba para referirse a la conciencia rítmica.

"Aquellos que no saben lo que significa el swing en la música, no pueden actuar", decía. El New Grove Dictionary of Jazz explica el swing de la siguiente manera: [A]unque es básico para la percepción y la interpretación del jazz, el swing se ha resistido a una definición o descripción concisa. La mayoría de los intentos de hacerlo se refieren a ello principalmente como un fenómeno rítmico, resultante del conflicto entre un pulso fijo y la amplia variedad de duraciones y acentos reales que un intérprete de jazz toca contra el pulso. Es evidente que también intervienen otras propiedades, una de las cuales probablemente sea la propulsión hacia adelante impartida a cada nota por un intérprete de jazz mediante la manipulación del timbre, el ataque, el vibrato, la entonación u otros medios; esto se combina con la ubicación rítmica adecuada de cada nota para producir swing en una gran variedad de formas.

Para liberar el tango de sus patrones tradicionales, Piazzolla comenzó a utilizar tonos y ritmos novedosos, así como armonías disonantes para darle más matices a la música. El sexteto de tango clásico estaba formado por dos bandoneones, dos violines, contrabajo y piano. Piazzolla lo amplió con un violonchelo y una guitarra eléctrica, y en 1955 fundó el Octeto Buenos Aires. Nunca antes un conjunto de tango había incorporado una guitarra eléctrica. El guitarrista eléctrico era Horacio Malvicino, quien recuerda que incluso recibió amenazas de muerte. En 1957, después de escuchar el Segundo Concierto para violín de Bartók, Piazzolla compuso Tres Minutos con la Realidad, que recuerda un poco a La Consagración de la Primavera de Stravinsky. “La característica predominante de Stravinsky desde el principio hasta el final es el ritmo… desde lo primitivo (Les Noces) hasta lo sofisticado (La consagración de la primavera)… [el ritmo] es el motivo principal de su obra”. En septiembre de 1955, Perón finalmente fue derrocado del poder y comenzaron los esfuerzos por “desperonizar” a Argentina.

Esto provocó cambios drásticos en la radiodifusión y las artes escénicas. Buenos Aires a finales de la década de 1950 no era un escenario ideal para que Piazzolla creara y difundiera su música. Desanimado, partió hacia Nueva York a principios de 1958. Unos meses más tarde, lo siguieron Dedé, Daniel y Diana. Vivían en 202 West 92nd Street. A varios agentes y editores de Nueva York les gustó la música que les mostró Piazzolla. Sugirieron adaptarlo al gusto americano y se planeó un LP.

Mientras vivía en Nueva York, Piazzolla pudo conocer y trabajar con destacados músicos populares como Tommy Dorsey, Glenn Miller, Ray Noble y Paul Whiteman. Johnny Richards, pionero del jazz progresivo, pidió escuchar sus discos. Piazzolla visitó Birdland en Broadway varias veces. Admirador del cool jazz, se sintió identificado con este movimiento.

En Argentina, los tangueros tradicionales percibían su música como emocionalmente genial, aunque esto está lejos de ser cierto. El drama, la pasión, la melancolía y la nostalgia están siempre presentes en la música de Piazzolla. Admiraba especialmente a Stan Getz, Miles Davis, Stan Kenton, Gil Evans, el Modern Jazz Quartet, George Shearing y Dave Brubeck. En el cool jazz, el contrapunto improvisado resurgió. Piazzolla incorporó estos recursos en su música; sus músicos también tuvieron cierta libertad para improvisar, lo cual ha sido bastante inusual en el tango tradicional.

En una ocasión, Piazzolla asistió a una recepción para Victoria Ocampo, la gran dama de las letras argentinas, en el Metropolitan Club de Nueva York. Igor Stravinsky estaba entre sus amigos. Cuando Stravinsky, de aspecto frágil, entró en la sala, Piazzolla recordó que “era como mirar a Dios”. Cuando Cuando finalmente lo presentaron, logró tartamudear: “Maestro, soy un alumno suyo a distancia”, y Stravinsky le dio un cálido apretón de manos. A finales de 1959, Piazzolla se enteró de que su padre había muerto en Argentina. Tras asistir al funeral y regresar a Nueva York, se aisló por completo y compuso Adiós Nonino, que se convirtió en su obra más conocida. Piazzolla finalmente escribió al menos veinte arreglos de esta pieza. Sus favoritos eran los escritos para su Nonet, un grupo electrónico de mediados de los años 1970, y para su segundo Quinteto.

Al regresar a Buenos Aires en 1960, Piazzolla fundó el Quinteto Nuevo Tango, integrado por bandoneón, piano, violín, guitarra y contrabajo.

Su período más productivo fue la década de 1960, cuando también desarrolló nuevas formas. Durante esta década, la música de Piazzolla comenzó a atraer la atención mundial por sus cualidades distintivas. Las composiciones eran una combinación de voces e instrumentos de contrapunto, cada uno de ellos con significado en sí mismo, lo que daba como resultado una textura coherente. Bach, el mayor maestro de la música polifónica, fue quizás el mayor modelo de Piazzolla. Piazzolla compuso para sus solistas, una comunidad de músicos y también para el público. Pero al final compuso y actuó principalmente para él mismo. Varios enfrentamientos explosivos con la prensa le dieron a Piazzolla considerable notoriedad durante estos años, y su vida privada estaba en crisis. Finalmente, en febrero de 1966, Piazzolla dejó a Dedé y a los niños. La ruptura de su matrimonio tomó por sorpresa a familiares y amigos.

Astor Piazzolla no recuperó del todo su estabilidad emocional hasta al menos diez años después. El “Club 676” dejó su huella en Buenos Aires. Piazzolla y su quinteto tocaban todas las noches. Se convirtió en un animado lugar de encuentro para músicos argentinos y visitantes extranjeros. Entre ellos se encontraban la Orquesta de Cámara de Israel, la Sinfónica de Filadelfia, el Cuarteto Vegh, el Cuarteto de Jazz Moderno, Tommy Dorsey y su banda, y estrellas brasileñas como Mayssa Matarazzo, João Gilberto y Os Cariocas. El Stan Getz Quartet tocó en el “676” en septiembre de 1965. Durante la noche, Getz le pidió a un joven vibrafonista, Gary Burton, que tocara My Funny Valentine como solista. Piazzolla se maravilló del estilo original de improvisación de Burton, que es bastante distinto de otros vibráfonos y recuerda tanto a la música country como a los estilos latinos.

Burton también recordó haber escuchado el Quinteto: "Escuchar al grupo de Astor fue una experiencia increíble... La mayor parte de la música nacional sigue siendo bastante simple, con la excepción del jazz y el tango. Compré cuatro o cinco de sus discos en Argentina, porque no se podían encontrar en Estados Unidos. Durante veinte años, seguí siendo un fan. Nos volvimos a encontrar cuando vino a verme tocar con Chick Corea en París, en 1982. Se acercó después del concierto y me dijo: Hola. ¿Te acuerdas de mí? Y le dije Había estado escuchando sus discos todos estos años y él dijo: ¿Estarías interesado en hacer un proyecto juntos? Y le dije que me encantaría hacerlo en cualquier momento. Después de eso, no supe nada de él durante unos dos años. Estaba muy emocionado y enérgico, y luego descubrí que era así la mayor parte del tiempo. Él ya había escrito toda la música.

Dijo: Cuando volé a casa, estaba muy emocionado, solo podía escuchar la música. Seguí adelante, no podía parar, sólo tenía que hacerlo. Había escrito todo el concierto. Sin tener oportunidad de hablar de ello. Eso me asustó. Así que esperaba un ensayo largo, un par de días, para conseguir realmente esta música. Y el primer día ensayamos como dos horas y de repente dijo: Bueno, por hoy basta, vamos a comer. Y al día siguiente fue el primer concierto. Me sorprendió que pudiéramos escuchar toda la música sin perdernos ni tener problemas. Pero lo hicimos. Para mí, fue cálido y maravilloso, amaba mi forma de tocar y constantemente me felicitaba y me hacía sentir bien por todo. Hay una cierta cualidad en los músicos independientes más importantes, un cierto tipo de carisma. Astor lo tenía. Con Astor aprendí el sentido del drama. El tango tiene este maravilloso cambio constante de humor. Va rápido, luego lento; es poderoso, luego sutil – es muy dramático”.

En 1967, Piazzolla inició una colaboración con el talentoso poeta Horacio Ferrer. Su primera obra importante, una ópera corta, fue María de Buenos Aires. El estreno estuvo protagonizado por la cantante Amelita Baltar, quien se convirtió en la compañera de Piazzolla durante los siguientes siete años. En 1969 consiguieron un gran éxito con la canción Balada para un loco, que se hizo popular en toda América Latina. Esta canción no tenía nada en común con el tango tradicional, ni en tema, estilo, rima ni ritmo. Sus letras surrealistas, ingeniosas y muy contemporáneas cuentan una historia de longitud inusual. Esto estaba tan lejos del modelo tradicional que trazó una línea para siempre entre el tango anterior a Piazzolla y el post-Piazzolla. Incluso hoy en día, a los tangueros tradicionales les desagrada intensamente esta canción. Cuando se estrenó en el Luna Park, el público le arrojó monedas en señal de desaprobación al cantante. Cuatro días después, sin embargo, se habían vendido 200.000 discos. Piazzolla y Ferrer colaboraron en varios otros clásicos modernos.

En 1972-73, Piazzolla firmó un contrato con la Municipalidad de Buenos Aires para formar un Nonet, que estuvo entre los mejores de su grupo, sólo rivalizado por el primer y segundo Quinteto. En 1974, Piazzolla exploró el jazz fusión con Gerry Mulligan, grabando Reunión Cumbre, uno de sus álbumes más exitosos. “Gerry solía reírse incrédulo cuando llegaban los cheques de regalías cada año”, recordó su esposa Franca.

Durante la década de 1970, la mayoría de los instrumentos de la música popular estaban muy amplificados y sus sonidos a menudo se modificaban electrónicamente. Se introdujo el piano eléctrico Fender-Rhodes y el bajo eléctrico reemplazó al contrabajo tradicional.

Piazzolla fue influenciado por el jazz-rock, particularmente por la banda de rock Return to Forever de Chick Corea, en la que Corea tocaba sintetizadores y varios aparatos y pedales electrónicos. Piazzolla creó un Octeto Electrónico, que no duró mucho; su público europeo prefirió los sonidos acústicos de sus conjuntos anteriores. En 1976, el Octeto de Piazzolla ofreció un concierto en el Carnegie Hall auspiciado por la Embajada Argentina. Pero siguió actuando más en Europa y América Latina que en Estados Unidos. En 1976, el día que cumplió 55 años, Piazzolla conoció a la atractiva Laura Escalada y permanecieron juntos por el resto de su vida.

En 1978 retoma su formato más exitoso y constituye el Segundo Quinteto: bandoneón, violín, contrabajo, guitarra eléctrica y piano. Piazzolla estaba listo para embarcarse en innumerables giras internacionales, en Europa, Japón y América. Obtuvo reconocimiento internacional y comenzó a ganar dinero por primera vez en su vida. Compuso música para varios cineastas europeos: Jeanne Moreau, Alain Delon, Nadine Trintignant, Marco Bellocchio y Helvio Soto. Colaboró ​​con los bailarines soviéticos Vladimir Vassiliev y Ekaterina Maximova; Vassiliev le había pedido permiso para utilizar Adiós Nonino en una película que deseaba hacer a partir de un cuento de Somerset Maugham. Y escribió música de cámara y sinfónica.

Paul Badde nos da una hermosa descripción de Piazzolla en el escenario: “Se ha vuelto uno con su instrumento... Y así, continúa aferrándose a él con dos puños, como si agarrara los cuernos de un toro, profundiza en la música, golpea ambos lados del bandoneón a pesar de sus protestas, lo separa bruscamente, empujándolo, presionándolo y oprimiéndolo, se aferra a las teclas como un piloto de carreras navegando por una horquilla. se dobla, luego deja que las notas se deslicen por su espinilla, mientras pasa hábilmente una página con la mano izquierda, luego las atrapa por abajo y las lleva hacia arriba con él. Suspira, respira, susurra, llora y piensa con la cosa, descansa en sus melodías, sueña con ella, hace temblar el fuelle golpeando el ritmo en la madera negra y luego, de repente, la mira con sorpresa, como si estuviera sosteniendo un grito. forma de vida rugiente e incontenible en sus manos... Baila con el instrumento, lo monta parado y finalmente salta en el aire como un poni que se suelta en primavera. Triunfante, separa el bandoneón a un metro por encima de su cabeza, como un mago brillante mostrando su última carta, como un Laocoonte victorioso logrando otra derrota del dragón... Piazzolla realmente no tiene otra opción: debe tocar”.

En los años 80, Piazzolla y Laura compraron una casa en Punta del Este, Uruguay, donde podían pasar el verano. Piazzolla compuso al piano y se deleitó con la atmósfera tranquila de un balneario que le recordaba el Mar del Plata de su juventud. Piazzolla fue intenso como músico, e igual de intensa fue su vida al aire libre. Ahora que tuvo la oportunidad de pescar tiburones, descubrió que respondía a una profunda necesidad existencial. “Toda la rabia que tengo dentro: me vengo de un tiburón”. Le encantaban las barbacoas y las cenas íntimas con amigos. Liberado de la presión de las agitadas giras mundiales, montó en bicicleta, hizo compras en el supermercado y disfrutó de la compañía de Laura. En 1984 y 1985 Piazzolla tuvo una extraordinaria colaboración con Milva, un gran cantante italiano, quien supo transmitir el dramatismo de sus tangos.

Milva recuerda a Piazzolla como “muy serio, muy profesional” y alguien que le dio una “riqueza musical que me acompañará toda la vida”. En 1986, su quinteto actuó en varios festivales de jazz: Rávena, Niza, Pescara y Montreux. Piazzolla ahora se codeaba constantemente con músicos de jazz que admiraba, como Miles Davis, Lionel Hampton, Pat Metheny, Michel Petrucciani y Jim Hall. El Quinteto y Gary Burton cruzaron el mundo hasta llegar a Japón. En el festival de jazz de Sapporo, el talentoso guitarrista Al Di Meola conoció a Piazzolla. "Astor y yo desarrollamos una relación de amigos y admiradores mutuos, una relación que siempre atesoraré", dice Di Meola.

En 1987, Piazzolla y el Quinteto actuaron ante una audiencia de 4.000 personas en Central Park. Las críticas fueron elogiosas. Gil Evans le dijo más tarde que fue "uno de los conciertos más increíbles de mi vida". Unos días después, Piazzolla estaba en la Universidad de Princeton para grabar su Concierto para bandoneón con la Orquesta de St. Luke, dirigida por su viejo amigo Lalo Schifrin. Ese mismo año, Piazzolla asistió a un concierto del Kronos Quartet y subió al backstage para felicitar a los músicos. "Le pregunté si podía llamarlo en unos días", recuerda David Harrington, fundador de Kronos. "Lo llamé a los pocos días. Para entonces ya había terminado Four for Tango y me dijo: '¿te lo envío?'" El Kronos Quartet decidió incluirlo en su siguiente álbum, Winter Was Hard, grabado en noviembre de 1987.26 La salud de Piazzolla se deterioró y canceló su quinteto. En 1988 se sometió a una cirugía de cuádruple bypass, realizada por el ambidiestro Dr. Fernández Aramburu. La operación duró aproximadamente tres horas y media y tres semanas más tarde obtuvo el certificado de buena salud.

En 1989 formó un sexteto, con dos bandoneones, piano, contrabajo, guitarra y violonchelo. Piazzolla parecía cansado y se cansaba con facilidad. Pero como siempre, tenía planes. Estaba pensando en futuras giras y conciertos. Tenía que escribir una pieza que le había encargado Mstislav Rostropovich. Cuando se conocieron, Piazzolla preguntó si podía agregar un bandoneón a la formación planeada de violonchelo, piano, guitarra y percusión. "Si lo juegas tú mismo, claro", respondió Rostropovich. Piazzolla y Laura estaban en París, preparándose para asistir a la misa dominical en Notre Dame, cuando él sufrió una hemorragia cerebral. Era el 5 de agosto de 1990. Laura y sus hijos, Daniel y Diana, acordaron que Astor regresara a la Argentina.

Siguió una dura prueba de veintitrés meses, hasta su muerte en Buenos Aires el 4 de julio de 1992. La reputación internacional de Piazzolla ha aumentado durante los años transcurridos desde su muerte. Su música ha sido tocada y grabada por una amplia variedad de grupos, incluidos el Kronos Quartet, los hermanos Assad y el G-String Quartet. Los álbumes de Piazzolla han sido realizados por gigantes del jazz como Al Di Meola y Gary Burton, y por artistas clásicos como Rostropovich, Daniel Barenboim, Emanuel Ax, Yo-Yo Ma, Gidon Kremer y los violonchelistas de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Pablo Ziegler fue el pianista del segundo Quinteto de Piazzolla (1978-88). Ha escrito sobre el carácter del tango: "El tango es la música que nos representa, y también es humor, juego, baile, picardía. Es nuestro canyengue (lengua callejera), equivalente al swing más jerga. Desafiante y exhibicionista, el auténtico tango expresa mugre (inmundicia) y roña (lucha).

Es provocación, sensualidad, tranquilidad y temperamento pendenciero. El dialecto de un porteño es jactancioso y humorístico. Un compadrito (joven matón de los barrios bajos) es un hombre atrevido. Provenientes de los orígenes marginales del tango, el mugre y el canyengue se convirtieron en música. Se convirtieron en una nota, una inflexión, un desafío y una provocación. No importa el contexto, el tango debe expresar camorra (provocación), que es como se preservan sus raíces.

Piazzolla tiene composiciones muy sofisticadas, y a la vez mugrosas. Ese mugre se puede sentir, a pesar de la complejidad con la que se escribieron esos tangos o de si el lenguaje era contemporáneo, impresionista o expresionista. El tango siempre ha estado relacionado con la pelea, con la roña, con los tipos que violan la ley.

Se toca esta música en el límite entre el tango y la música de cámara. Esto se percibe a través de los acentos y la forma en que se toca. Piazzolla llevó esta música a niveles más refinados, manteniendo un toque contundente y provocativo. Ya sea que se transforme estrictamente en música de cámara o en reminiscencias, se puede escuchar algo más solemne y distante. La música de Astor es erudita como la música europea, con el agregado de todos esos elementos que constituyen la esencia del tango. Esos tipos limítrofes empezaron el tango en los suburbios. Durante el día, calzando alpargatas (calzado de los pobres), trabajaban repartiendo carbón o leche. Por la noche se disfrazaban para salir a bailar. Se pusieron trajes con botones cruzados, sombreros holgados y botas. De ahí viene la forma curiosa de caminar, como si les dolieran los pies. Era una postura artificial: “Mírame, aquí estoy”. Una caricatura que imita a un tipo acomodado”.

Los efectos del violín, la percusión y la improvisación provienen de las clases bajas, pero la música es burguesa. Piazzolla es a la vez el producto de una tradición y la ruptura de esa tradición. Astor Piazzolla no tenía bandera ni afiliaciones políticas, pero hablaba al público en un nuevo idioma. Aunque nunca se mecanografió, era policlasista. Para Piazzolla, la cuestión candente era:

“¿Te gusta o no mi música?”
Nunca comprometió sus estándares para atender intereses comerciales.
“Mi sueño”, dijo una vez, “es presentar mi música y la música de mi país en todo el mundo”.

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Piazzolla 100 | Discos esenciales: Adiós Nonino

00:00:41 Presentación a cargo de Gabriel Soria 00:07:43 Adios Nonino 00:16:59 Otoño porteño 00:23:04 Michelangelo 70 00:26:55 Palabras del maestro Walter Ríos 00:29:58 Coral Tangata (Silfo y Ondina) 00:36:06 Fugata 00:39:31 Soledad 00:47:22 Palabras del maestro Walter Ríos 00:50:02 Final 00:59:30 Palabras del maestro Walter Ríos 01:05:15 Adios Nonino versionada por Walter Ríos

Discografía

Artículo principal en Wikipedia: Anexo:Discografía de Astor Piazzolla

Filmografía

Documentales biográficos

• Piazzolla, los años del tiburón (2018), dirigida por Daniel Rosenfeld.^[195][196]
• Quereme así (Piantao) (1997)

Como Intérprete

• Argentinísima (1972) dir. Fernando Ayala y Enrique Olivera
• Tango argentino (1969) dir. Simón Feldman
• Prisioneros de una noche (1962)

Música de películas

• El hombre del sábado de Leopoldo Torres Ríos (1947)
• Con los mismos colores de Carlos Torres Ríos (1949)
• Bólidos de acero de Carlos Torres Ríos (1949)
• El cielo en las manos de Enrique de Thomas (1949)
• Stella Maris de Homero Cárpena (1953)
• Sucedió en Buenos Aires de Enrique Cahen Salaberry (1954)
• Marta Ferrari de Julio Saraceni (1955)
• Continente blanco de Bernard Roland (1955)
• Los tallos amargos de Fernando Ayala (1955)
• Una viuda difícil de Fernando Ayala (1957)
• Continente blanco de Bernard Roland (1956)

• Violencia en la ciudad (1956)
• Sábado a la noche, cine de Fernando Ayala (1959)
• Quinto año Nacional (1960)
• Las furias de Vlasta Lah (1960)
• La fin del mundo (1963)
• Los que verán a Dios de Rodolfo Blasco (1963)
• Paula cautiva de Fernando Ayala (1963)
• Con gusto a rabia de Fernando Ayala (1965)
• Las locas del conventillo de Fernando Ayala (1966)
• La fiaca de Fernando Ayala (1968)
• Pulsación de Carlos Páez Vilaró (1969)
• Con alma y vida (1970)
• Cuando una ciudad despierta (1975)
• Lumière de Jeanne Moreau (1975)
• Llueve sobre Santiago de Helvio Soto (1975)
• Viaje de bodas (o Luna de miel)^[197] de Nadine Trintignant (1975)
• Servante et Maîtresse (1976)
• Armaguedón de Alain Jessua (1976)
• Cadaveri eccelenti de Francesco Rosi (1976)
• ¿Qué es el otoño? de Dadid José Kohon (1977)
• El infierno tan temido de Raúl de la Torre (1979)
• Volver de David Lypszyo (1982)
• La intrusa (1982)
• Somos? (1982)
• Cuarteles de Invierno de Lautaro Murúa (1984)
• Enrico IV de Marco Bellocchio (1984)
• El exilio de Gardel de Fernando Solanas (1985)
• Sur de Fernando Solanas (1988)
• Doce monos de Terry Gilliam (1995)