Joep Beving – Sleeping Lotus – Solipsism (Piano solo sheet music)

Joep Beving: „Ich benutze die Vertikale, weil ihr Klang besser zu meiner Musik passt als ein Flügel“.

Der niederländische Komponist und Pianist Joep Beving veröffentlichte Trilogy, ein luxuriöses Vinyl-Boxset in limitierter Auflage seiner ersten drei Langspielplatten: Solipsism (eine LP), Prehension (zwei LPs) und Henosis (drei LPs), plus eine siebte LP, die aus alternativen Versionen einiger seiner Stücke besteht und anderes unveröffentlichtes Studiomaterial.

Innerhalb jener musikalischen Strömung, zu der auch Nils Frahm, Max Richter oder Ólafur Arnalds gehören, hat sich Beving in kurzer Zeit einen Namen gemacht: Schöpfer einer Musik von großer Schönheit, die neoklassische Färbungen mit konzeptionellen Ansätzen aus dem Minimalismus von Philip Glass verbindet .

Dieses Interview wurde nur wenige Stunden vor dem Konzert im Auditorio Nacional (Madrid, Dezember 2021) geführt. Alle bis auf eine Frage, die letzte, die er über seinen Instagram-Account beantwortete.

Wann kam es zu dieser Handgelenksverletzung, die Sie dazu zwang, Ihr Klavierstudium abzubrechen? In welcher Klasse/Klasse warst du?

Es war, als ich zum Konservatorium ging. Ich habe auch etwas anderes an der Universität studiert. So hatte ich sehr wenig Zeit, Klavier zu üben. Das war 1995, als ich 18 Jahre alt war, in meinem ersten Klavierjahr. Da habe ich was gelernt…

Sind Sie derzeit noch von dieser Krankheit betroffen?

Ja. Es tut es. Eigentlich ist heute der erste Tag seit langer Zeit, an dem ich wieder Schmerzen im Arm habe. Weil ich letzte Nacht zu enthusiastisch gespielt habe, spiele ich einen Song, der wirklich viel vom Arm verlangt, und wenn ich nicht den Sound bekomme, den ich will, spiele ich einfach härter und härter. Und dann schwillt mein Arm an. Also schwillt es jetzt an. Heute Nacht wird es also schwierig. Aber es ist das letzte, also werde ich es schaffen.

Also… Inwieweit kann man Sie als guten Pianisten bezeichnen? Können Sie Bach, Chopin spielen …?

Ich bin definitiv kein virtuoser Pianist. Ich bin technisch nicht gut. Ich bin technisch wirklich schlecht. Ich denke, meine Unfähigkeit – nicht so gut am Klavier zu sein – führt dazu, dass ich die Musik, die herauskommt, akzeptiere und sie nicht komplexer machen möchte. Also denke ich, dass meine Unfähigkeit mich zu einem guten Klavierspieler macht, weil ich viel Emotion in mein Spiel stecke, also bin ich eher ein Geschichtenerzähler als ein guter Klavierspieler.

Ich bewundere Menschen, die wirklich gut sind, und ich wünschte, ich könnte Bach auf diesem Niveau spielen. Aber ich müsste jeden Tag wirklich hart trainieren. Und dann bin ich wahrscheinlich ganz unten, also würde ich es nur zu meinem eigenen Vergnügen machen.

Das mache ich jetzt. Ich fing auch an, nur zu meinem eigenen Vergnügen oder für meine eigene Notwendigkeit zu tun, als ich damit anfing. Aber dann wollten die Leute, dass ich die Musik auch aufführe. Aber ich bin immer noch erstaunt, wenn ich eine Show gebe, bei der die Leute ein Ticket bezahlen, um hereinzukommen und mich auftreten zu sehen.

Als Sie mit Ihrem ersten Album „ Solipsism “ begonnen haben, waren Sie fast 40 …

… 38.

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Wie war es möglich, dass du so lange gebraucht hast, um zu realisieren, dass du mit deiner Musik die Herzen der Menschen berühren kannst?

Ich denke, weil ich es selbst nicht glauben konnte und ich auch, ähm, ich habe diese Art von Musik nie gespielt; Es passierte also erst zu dieser Zeit etwas in meinem Leben und ich saß hinter dem Klavier und fing plötzlich an, diese Art von Musik zu spielen. Weil ich das Gefühl hatte, dass ich selbst etwas fühlen musste, und als ich dann anfing, selbst etwas zu fühlen, dachte ich, vielleicht liegt es nicht an mir, dies zu entscheiden.

Vielleicht sollte ich das teilen, weil vielleicht andere Leute den gleichen Nutzen oder die gleiche Wirkung damit haben. Das war also relativ gelegt und ich hatte die Idee, etwas mit Musik machen zu wollen, nie wirklich aufgegeben, aber ich hätte nie gedacht, dass es mit dem Klavier sein würde. Aber damals war es so.

Es war wirklich das Klavier, das mir das … alles gab, was ich damals brauchte, um im Grunde eine Form von Trost und Verständnis zu finden. Ich weiß also nicht, warum es so lange gedauert hat, aber es hat einfach so lange gedauert, weil ich zuerst stürzen musste. Also bin ich zuerst abgestürzt und dann hat mich das Klavier da rausgeholt.

Was war der Absturz?

Ähm, wie ein Burnout!

Von Ihrem Job?

Ja. Von meiner Arbeit und den Dingen, die ich tat. Also steckte ich viel Energie in Dinge, an die ich nicht wirklich glaubte, und es gab mir keine Energie zurück, und ich war einfach traurig, dass ich nicht fand, wonach ich suchte oder was ich mir wünschte tiefere Ebene.

Und wenn ein Freund von mir stirbt, ein Freund, der immer gesagt hat: „Höre nie auf, höre nie auf zu wissen, dass du eigentlich ein Künstler bist und eigentlich Musik machen willst und musst“. Und dann starb er, und dann dachte ich, OK, jetzt habe ich keine Entschuldigung. Nein, ich muss anfangen zu glauben und ich muss anfangen, es zu tun. Das war ungefähr zur gleichen Zeit.

Die Titel Ihrer Alben beziehen sich auf philosophische Konzepte… Welche Konzepte würden nie ein Echo in Ihrer Musik finden? Schopenhauer, Nietzsche, Sartre…?

Solipsismus! Ich meine, meine ganze Trilogie ist dazu da, den Solipsismus zu bekämpfen, die Idee des Solipsismus zu bekämpfen. Das war also der Ausgangspunkt, und das ist immer noch mein Hauptantrieb, um im Grunde zu üben und zu sehen und zu fühlen, dass wir alle verbunden sind, dass wir alle das Gleiche wollen und wir alle ein Bewusstsein sind, anstatt ein isolierter Kern der Existenz in der Individualität.

Andere Konzepte? Ich bin aber nicht sehr nihilistisch! Aber ich habe vor kurzem wieder angefangen, Sartre zu lesen, und ich habe entdeckt, dass er auch andere Seiten seiner Philosophie hat, aber ich bin definitiv kein Experte für Einsichten. Aber die richtige Antwort zu geben, ist definitiv Solipsismus, denn das Gegenteil ist das, was ich tun möchte.

Ich habe in einem Interview gelesen, das Sie vor einigen Jahren gegeben haben, welche Musiker Sie am meisten beeinflusst haben und welche Ihre Favoriten sind … und nur Mahler und Arvo Pärt stimmen überein. Warum unterscheidest du zwischen denen, die dich beeinflusst haben, und deinen Favoriten?

Kannst du mir das erklären?

Ja, die Liste der Einflüsse umfasst Bill Evans, Keith Jarrett, Philip Glass, Arvo Pärt, Chopin, Saite, Radiohead und Mahler. Und in der Favoritenliste Skrjabin, Prokofjew, Mahler, Brahms, Arvo Pärt, Peteris Vasks und Tigran Hamasyan?

Oh, nun, das ist wahrscheinlich der Moment. Ich meine, wenn ich Sie fragen würde, was ist Ihr Lieblingskomponist und wer hat da so viel beeinflusst, und so nähern Sie sich der Frage. Ich meine, wenn ich mich an Momente erinnere, in denen mich eine bestimmte Musik oder ein bestimmter Komponist berührt hat oder die eine wichtige Rolle in meiner Entwicklung gespielt haben, dann weiß ich, dass ich Glass sagen sollte.

Ich sollte Keith Jarrett für seinen Spielstil und für die Verknüpfung sagen, dafür, dass er einfach schöne Musik macht. Prokofjew war in meinen Teenagerjahren dabei, als ich anfing, mich mit klassischer Musik zu beschäftigen, und das Dritte Klavierkonzert war mein Rock’n’Roll. Das hat mich sozusagen für klassische Musik interessiert, aber ich bin nie ganz darin eingetaucht. Aber es gibt einfach Wellen und Momente in meinem Leben, die einen Einfluss und eine sehr starke Wirkung hatten.

Der Ursprung dieser Website liegt darin, wie sehr ich viele Werke von Philip Glass mag… Was hat Philip Glass für Sie bedeutet?

Philip Glass hat mir die Kraft des Minimalismus gezeigt, die Wirkung eines verschobenen harmonischen Wechsels oder die Wirkung überlappender Sequenzen, die beginnen, ihre eigene Musik innerhalb des Stücks zu erzeugen, es ist sehr ähnlich wie in der Natur. Ich fühle mich stark damit verbunden, weil ich es erkenne. Ich glaube, ich war 16: Ich bin in einer kleinen Stadt aufgewachsen und es gab einen Plattenladen, und ich wollte einfach etwas anderes.

Und ich ging die Kartons durch und dann wählte ich Philip Glass aus. Ich glaube, es war Dance Pieces , ich bin mir nicht sicher, und ich nahm es mit nach Hause und es war wie eine völlig neue Welt. Ich fühle mich immer noch so, ich habe immer noch das Gefühl, dass ich am meisten auf diese Art von Schönheit reagiere, obwohl ich auch romantisch geworden bin. Aber es hat mir gezeigt, dass man nicht, uh, man muss nur nach dieser besonderen Sensation suchen oder nach dieser, ähm, kleinen Veränderung, die eine so große Wirkung hat, um Musik zu schaffen, die legitim ist zu existieren .

Und Sie müssen keine übermäßig komplexen oder sehr technischen Artikel schreiben, um einen Wert zu haben. Ich mag auch seinen Einsatz von Instrumenten, das ist sehr frisch und sehr … Philip Glass!

Und wie war in Ihrer Jugend der Einfluss der klassischen Musik anstelle der Rockmusik?

Ich hatte das Glück, in meiner Schule zu sein, wo ich studierte. Also hatten sie im Alter von 12 bis 18 Jahren ein Musikprogramm. Und davor habe ich mich mit Jazz beschäftigt. Und dann habe ich in der Schule am Musikprogramm teilgenommen, da ging es viel um Musiktheorie und Musikgeschichte, und da sind wir durch die ganze Musikgeschichte gegangen.

Auf kognitiver Ebene wurde ich während dieses Kurses also mit viel Denken und vielen Entwicklungen innerhalb der klassischen Musik vertraut gemacht. Aber außerhalb der Schule gingen wir als kleine Klasse: Wir gingen zum Haus meines Lehrers und wir tranken etwas Portwein und er saß hinter dem Klavier oder legte Platten auf. Und wir fingen an, wirklich zu lernen, die Musik zu fühlen und zu verstehen, das hat mein Leben sehr beeinflusst, würde ich sagen.

Und meine Mutter ist Sängerin, singt im Chor, mit wunderschönem Repertoire, und ich ging zu ihren Liederabenden und hörte mir Arvo-Parts an, und das war auch sehr einflussreich, würde ich sagen.

Fühlst du dich als Teil der niederländischen Tradition der minimalistischen Musik? Ich meine Louis Andriessen, Simeon ten Holt oder Jeroen Van Veen?

Ich glaube, sie würden mich umbringen (lacht). Nein, ich sehe mich nicht als ernsthaften… Ich meine, ich bin ein ernsthafter Komponist, da ich Musik komponiere, die ich hören möchte, aber ich nehme nicht bewusst an der traditionellen Kunstwelt oder der Konzeptkunstwelt teil. Es gibt noch einen anderen niederländischen Komponisten, Joep Franssens, ich glaube, er ist jetzt fünfundsechzig [am 13. Januar wird er 67], und er ist nicht sehr bekannt und er ist auch ein Minimal-Komponist.

Er ist fantastisch, und ich bin mir ziemlich sicher, dass er auch nicht wirklich Teil dieser minimalen Tradition ist, obwohl seine Musik es eindeutig ist. Ich versuche also, Ihrer Frage auszuweichen, aber ich kann sagen, dass ich mich nicht in dieser klassischen Tradition sehe.

Conatus ist ein Album mit Orchesterversionen einiger Stücke aus Ihren ersten beiden Alben, ursprünglich für Soloklavier. Haben Sie für dieses Album auch die Partituren für andere Instrumente geschrieben?

Ich schreibe es und dann habe ich einen Orchestrator, der es auf Noten bringt. Ich schreibe es im Grunde für alle Instrumente, und dann wird er sagen: „Vielleicht solltest du diese Stimme nicht der Bratsche geben, aber es ist besser, sie der Geige und/oder dem Cello zu geben“. Aber die Orchestrierung, die es von Midi und von meinen Audioaufnahmen in Noten umsetzt, ist jemand anderes, der das macht.

Trilogy ist eine so ausgedehnte Zusammenfassung Ihrer gesamten Karriere, dass es sich anhört, als wäre es ein Endpunkt für etwas. Und jetzt denke ich, dass Sie vielleicht noch andere Dinge für die Zukunft haben.

Ja, ich bin sehr von meinem Konzept getrieben. Also, für die Trilogie hatte ich ein sehr starkes Gefühl, was ich erzählen wollte, und musikalisch folgte ich der Idee, die ich hatte. Also und dann dachte ich, OK, ich muss das fertig machen und ich muss vielleicht ein neues Thema oder ein neues Konzept finden.

Aber in den letzten Jahren habe ich an einer Filmmusik für einen holländischen Film und für ein Theaterprojekt gearbeitet. Ich habe etwas geschrieben, das mehr Ambient-Elektronik, Abstraktion und auch Life-Instrumentierung ist. Aber jetzt, im April nächsten Jahres, werden wir die Veröffentlichung eines Solo-Klavieralbums sehen, bei dem ich mir nicht vorgenommen habe, etwas anderes zu tun, als nur das zu spielen, was ich selbst hören wollte. Und so geht es mit dem Wissen, das ich jetzt durch die Erfahrung aus der Trilogie habe, gewissermaßen zurück zum Anfang.

Und dann werde ich wahrscheinlich den Theater-Soundtrack veröffentlichen. Und dann hoffe ich, zwei Ideen zu haben. Einer ist mehr… Song… Singer-Songwriter, songbasiert. Ich werde nicht singen, aber ich schreibe Lieder mit Gesang.

Philip Glass hat ein Album aufgenommen, Songs from Liquid Days , mit Texten von unter anderem David Byrne, Laurie Anderson oder Paul Simon, gesungen von Linda Ronstadt oder The Roches….

Ja, ich habe Laurie Anderson gefragt, aber sie war dafür nicht verfügbar (lacht). Songtexte finde ich sehr schwierig. Und es wäre eine Herausforderung und ein Ehrgeiz zu sehen, ob ich auch Texte schreiben könnte, also Wörter schreiben, und für den Rest, ich weiß nicht, es ist auch so, weißt du, du machst Pläne und auch davon, was wir wollen in der Zukunft zu touren. Weißt du, wir haben die ganze Henosis -Show mit Chor und Elektronik und modularen Szenen und Visuals erstellt, um sie herumzuführen. Aber wegen Covid-19 war das nicht möglich. Das ist auch der Grund, warum ich dachte, ich möchte zurück zu den Grundlagen gehen und mich auf Klavier und Klavierkonzerte konzentrieren.

Und etwas Orchestrales?

Ja, ich meine, es wird wahrscheinlich eine Veröffentlichung der Theaterpartitur geben, die ich geschrieben habe, die etwas orchestral ist. Ich habe wieder mit Echo Collective gearbeitet. Und das wird sein. Mischen muss ich noch. Ich muss diese Aufnahme noch fertigstellen. Aber ich denke, das wird auch nächstes Jahr erscheinen.

Einige andere Projekte?

Ich werde im kommenden Jahr an zwei weiteren Projekten arbeiten: einem Ballett und einem geheimen Projekt, über das ich nicht sprechen kann.,

Übrigens … warum hast du statt eines Flügels das Vertikalklavier verwendet? Und war es Ihr eigenes Klavier, das Sie überall hin mitgenommen haben, oder war es das des Auditorio Nacional?

Ich benutze die Vertikale, weil ihr Klang besser zu meiner Musik passt als ein Flügel. Auch weil es einfacher ist, zwischen Hämmern und Saiten eine Moderato-/Filzschicht einzubauen. Viele meiner Stücke werden ertrinken, wenn sie auf einem Flügel gespielt werden. Und ich bringe mein eigenes Klavier nur zu Shows mit, die in den Benelux-Ländern gespielt werden. Für den Rest muss ich auf Leihgeräte setzen und versuchen, das Beste daraus zu machen, mit meiner Filzstange, mit der ich reise, und mit Mikros und Eq-ing.

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About Joep Beving

Joep Beving war schon früh eins mit dem Klavier. Er musste sein Musikstudium am Konservatorium beenden und studierte stattdessen Staatspolitik und öffentliche Verwaltung. Seine Liebe zu seinem Instrument ist jedoch nie erloschen. War es einst sein Ziel, so viele Noten wie möglich pro Minute zu treffen, hat sich sein Spielstil im Laufe der Jahre verändert, auf der Suche nach einer bestimmten ästhetischen Essenz.

Sein Weg wurde von einem Klavier erhellt, das Beving von seiner Großmutter geerbt hatte, als sie 2009 verstarb. Dieses deutsche Instrument bestand auf einem sanfteren Anschlag und einem anmutigen Tempo, was Beving schließlich dazu veranlasste, sich einem klassischeren Vokabular anzupassen, um seine Geschichte zu erzählen.

Diese Geschichte begann sich relativ spät im Leben zu manifestieren, als er 2014 im Alter von 38 Jahren gezwungen war, von der Arbeit zu Hause zu bleiben, und beschloss, auf die Verlosung seines Klaviers zu antworten. Auf der Suche nach innerer Ruhe und einer Form von Essenz begann sich Musik zu präsentieren, die er noch nie zuvor in seinem Leben gespielt hatte.

Minimalistische Stücke, die er später einmal als „einfache Musik für komplexe Emotionen“ bezeichnete. Joep wurde von dem einzigen Label, an das er sich wandte, abgelehnt und beschloss, sein Debütalbum Solipsism 2015 in Eigenregie zu veröffentlichen.

Der Klang seines Klaviers fand den Weg zu den Ohren von A&R-Manager der Deutschen Grammophon, Christian Badzura, als er seine Lieblingsbar in Berlin besuchte. Dies führte zur Unterzeichnung von Beving beim weltweit führenden Klassik-Label und folglich zur Veröffentlichung des ebenso erfolgreichen zweiten Albums „Prehension“ im Jahr 2017, was Joep zu dieser Zeit zu einem der meistgehörten lebenden Pianisten der Welt machte.

Er hat einen Großteil der breiten Anziehungskraft seiner Musik auf den Bewusstseinsstrom zurückgeführt, in dem einige der Stücke konzipiert wurden. Die Behauptung, dass die Musik bereits da draußen ist und dass man „nur“ die Umstände schaffen muss, damit sie landet. 2018 ging er mit der Veröffentlichung von ‚Conatus‘ einen Schritt weiter und sagte: „Wenn Sie Musik als einen lebenden Organismus sehen, ist es nicht undenkbar, dass sie ihre eigene angeborene Neigung hat, weiter zu existieren und sich selbst zu verbessern. ”

Auf Conatus sieht Beving Kompositionen seiner ersten beiden Alben, reist durch die Köpfe von Künstlern, die er bewundert (ua Suzanne Ciani, Collin Benders, Andrea Belfi) und führt zu neuen Musikstücken, die neue Schichten und Dimensionen hinzufügen, die als Auftakt dienen würden sein nächstes großes Soloprojekt, wie sich im April 2019 abzeichnen würde.

Als Teil des Kunstwerks „Franchise Freedom“ des gefeierten Künstlerduos Studio Drift reist Joep Ende 2018 nach Burning Man, um in der Wüste von Black Rock City vor seinem bisher größten Publikum aufzutreten. Inspiriert von der Demonstration menschlicher Kreativität und Inklusivität kehrt er nach Hause zurück, um sein drittes Soloalbum fertigzustellen.

Im April 2019 erscheint HENOSIS, Joep Bevings letztes Kapitel in einer Trilogie von Alben – und markiert das Ende einer intensiv persönlichen vierjährigen spirituellen und philosophischen Erkundung.

Auf HENOSIS setzt der niederländische Komponist seinen minimalistischen und zuweilen romantischen Schreibstil fort, erkundet diesmal aber neue Territorien. Es setzt dort an, wo uns sein zweites Album Prehension verlassen hat, der warme, intime Klang des Schimmel-Klaviers. Mit der Hilfe des Produzenten Gijs van Klooster und durch die Zusammenarbeit mit Cappella Amsterdam, Echo Collective und Maarten Vos eröffnet Joep Beving neue musikalische Welten mit orchestralen und elektronischen Klängen neben dem vertrauten Klavier.

Sein Debütalbum „Solipsism“ untersucht das Selbst und seine Beziehung zum anderen, indem es versucht zu zeigen, dass wir ein gemeinsames Verständnis davon haben, was es heißt, ein Mensch zu sein. Für „Prehension“ beschreibt Beving die Erkenntnis, dass er von der individuellen Ebene auf die Ebene des Kollektivs herausgezoomt war.

HENOSIS ist der letzte Schritt, in dem Bevings Ziel die Weite des Kosmos ist – diese große, schwarze Leere – auf der Suche nach „ultimativer Realität und Leerheit des Geistes“. Auf die Frage nach dem Album sagt Joep:

„Ich stellte es mir als eine Reise in den Kosmos vor, weit weg von dem Selbst, wo es begonnen hatte. Auf der Suche nach dem Wesentlichen in der Realität, jenseits des unmittelbar Wahrnehmbaren. Henosis bedeutet Einheit oder Einheit mit der Quelle von allem, was ist. Die Reise nach außen spiegelt die Reise nach innen wider, so wie der Aufbau unseres Innenlebens den des Makrokosmos widerspiegelt. Sobald Ihnen diese Idee zu dämmern beginnt, vertieft sich die Ebene der Verbindung jenseits aller Vorstellungskraft.

Alles ist verbunden. Denk darüber nach. Wenn Sie den anderen nur als eine physisch alternative Repräsentation Ihrer selbst sehen, wird es sehr schwierig sein, keine Form von Empathie zu empfinden. Dasselbe gilt für jede andere Lebensform. Mir ist klar, dass es nicht so einfach ist und ich möchte dies nicht als Wahrheit postulieren.

Für mich kommt diese Erkenntnis jedoch einer etwas hoffnungsvollen und bewundernswerten Version davon am nächsten. Es schließt den Kreis, der mit einer wachsenden Entfremdung von der Realität begann, mit der ich mich zur Zeit des Solipsismus befasste, zu einem wachsenden Gefühl, mit ihr eins zu werden.“

Im November 2019 wurde Henosis mit einem Edison ausgezeichnet.

Nach seiner Trilogie blieb er mit einer Frage zurück: Was kommt als nächstes? Die Antwort entging ihm zunächst. Also wandte er sich der Komposition für einen holländischen Film und ein Theaterstück zu. Aber die Pandemie brachte ihn zurück zum Komponieren für Klavier. „Ich wollte nach dem gehen, was sich richtig anfühlte, nämlich zurück zum Anfang, zu Solo-Klavierliedern, aber alles verwenden, was ich während der Entstehung der Trilogie gelernt hatte.“

Für sein neuestes Projekt greift er auf die Hermetik zurück, eine spirituelle Philosophie, die auf antike Schriften zurückgeht, die dem legendären griechischen Autor Hermes Trismestigus zugeschrieben werden. Im Kern stehen sieben universelle Naturgesetze, die über die Jahrhunderte weitergegeben und später in The Kybalion zusammengestellt wurden, einem Text, der die New-Age-Theorien in jüngerer Zeit beeinflusst hat.

Bei diesen Konzepten – wie dem Ursache-Wirkungs-Prinzip und dem Rhythmus-Prinzip – geht es darum, ein kontinuierliches Gleichgewicht im Leben und Dasein zu finden. „Die Lehren rund um diese Prinzipien fühlen sich für mich so wahr an und ich hoffe, dass sie andere inspirieren werden“, sagt Joep Beving.

Joep Beving Discography

All of his recordings have been released by Deutsche Grammophon/Universal Classics:

• Solipsism (2015)
• Prehension (2017)
• Conatus (2018)
• Henosis (2019)
• Trilogy (2021)
• Hermetism (2022)