Philip Glass – The Hours – Klavier solo (wmit Noten, sheet music)

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Philip Glass Biografie

Geboren am 31. Januar 1937 in Baltimore, MD; viermal verheiratet; Kinder: drei. Ausbildung: Abschluss an der University of Chicago, 1956; absolvierte die Juilliard School of Music.

Der amerikanische Komponist Philip Glass hat nach wie vor einen enormen Einfluss auf die zeitgenössische Musik. Seine Art von Musik wird oft zu seinem Leidwesen als Minimalismus beschrieben. Die Musik von Glass und sein Ansatz, sie zu erschaffen, sind durch und durch modern, ja sogar revolutionär, was ihn zu einem der provokativsten, kommerziell erfolgreichsten und umstrittensten Komponisten seiner Generation macht.

„Die Musik von Glass ist nicht nur in der Oper zu finden, wo er als Amerikas erfolgreichster lebender Komponist regiert, sondern auch im Ballett, im Fernsehen, in Symphoniehallen, Filmen, Jazzclubs und gelegentlich sogar in Sportstadien“, schrieb William Duckworth in sprechender Musik.

Philip Glass wurde am 31. Januar 1937 in Baltimore, Maryland, geboren. Sein Interesse an Musik entwickelte sich schon in jungen Jahren dank des vielseitigen Geschmacks seines Vaters, der eine Radioreparaturwerkstatt / einen Plattenladen besaß. Glass hörte alles von den äußerst beliebten Elvis Presley-Platten bis hin zu obskuren Komponisten wie Foote und Gottschalk. Sein Vater brachte normalerweise die 78 U / min-Platten nach Hause, die sich nicht verkauften. Die größten Eindrücke auf Glass in dieser Zeit machten Schönberg, Anton Webern und Berg.

Philip Glass begann im Alter von sechs Jahren Geige zu spielen, mit acht Jahren Flöte. Der aufgeweckte junge Mann avancierte schnell als Gelehrter und Musiker. „Musiker haben so etwas wie eine Berufung, eine religiöse Berufung“, sagte er zu Duckworth. „Es ist eine Berufung. Ich denke, es passiert, bevor wir wissen, dass es passieren wird. Irgendwann merkt man, dass das der einzige Gedanke ist, den man ernst nehmen kann.’

Im Alter von 15 Jahren nahm er an einem Programm für begabte Jugendliche an der University of Chicago teil. Etwa zur gleichen Zeit hörte er mit dem Querflöten auf, weil er sagte, er wisse, dass er daraus keine Karriere machen könne. „Wäre ich nicht ehrgeizig gewesen, hätte ich nicht bemerkt, dass es sich um ein begrenztes Repertoire handelte. Gerne hätte ich Telemann, Vivaldi, die wenigen Mozart-Stücke und die Handvoll moderner Werke gespielt, was ich natürlich probiert habe.’ Neben akademischen Fächern studierte er selbstständig Musikwissenschaft mit den Schwerpunkten Charles Ives, Webern und William Schuman. Außerdem begann er ein Klavierstudium bei Marcus Raskin.

Er erforschte weiterhin die Musik von Ives sowie die von Aaron Copland. Glass studierte auch bei Steve Reich und später bei Darius Milhaud. Durch ein Stipendium der Ford Foundation war er Composer-in-Residence in Philadelphia. Allein in diesen Jahren hatte er 20 Stücke geschrieben und zahlreiche Auszeichnungen erhalten, darunter einen Broadcast Music Industry Award (1960), den Lado Prize (1961), zwei Benjamin Awards (1961, 1962) und einen Young Composers’ Award. Auszeichnung (1964).

Trotz dieser Errungenschaften hatte Glass zunehmend das Gefühl, dass sein Kompositionsstil, der auf der 12-Ton-Kompositionstheorie und fortschrittlichen rhythmischen und harmonischen Formen basierte, keine Bedeutung mehr hatte. „Meine Zwölftonperiode war vorbei, als ich neunzehn war, auf Gedeih und Verderb“, sagte er zu Duckworth. Um die Musik, die er kreieren wollte, besser verwirklichen zu können, ging er 1964 nach Paris, um mit einem Fulbright-Stipendium bei Nadia Boulanger Komposition zu studieren.

Er erwartete von ihr, dass sie ihm die musikalische Technik vermittelte, die er zu brauchen glaubte. Seine Studien konzentrierten sich auf Kontrapunkt, Solfege und Kompositionsanalyse.

„Eine Standardübung von Boulanger war, dass man von jeder Note aus alle Umkehrungen aller Kadenzen in jeder Tonart singen musste“, erklärte Glass Duckworth. „Das dauert ungefähr zehn oder zwölf Minuten, und Sie gehen ungefähr dreißig oder vierzig Formeln durch. Man wird also gewissermaßen zum Techniker. Die meisten Amerikaner haben das nicht.“

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Vertrauen auf den zyklischen Rhythmus

Der Unterricht bei diesem berühmten Lehrer hatte weniger Einfluss auf Glass als sein Kontakt mit nicht-westlicher Musik. In gewisser Hinsicht, bemerkt Glass, war es, als hätte er alles verworfen, was sie ihm beigebracht hatte. Während seines Aufenthalts in Paris begann er seine langjährige Zusammenarbeit mit Mabou Mines, einer experimentellen Theatergruppe, für die er Musik komponierte. Außerhalb des Theaters wurde seine Musik ignoriert und sogar verunglimpft. Dies war es – einschließlich körperlicher Kämpfe, die während Konzerten entfacht wurden –, die ihn schließlich dazu veranlassten, in die Vereinigten Staaten zurückzukehren.

Glass reiste ausgiebig durch Indien, Tibet und Nordafrika und wurde 1965 Arbeitsassistent des Sitar-Virtuosen Ravi Shankar. Durch das Notieren seiner Musik für westliche Musiker und das Studium der Tabla bei dem bekannten indischen Perkussionisten Allah Rakha gewann Glass ein Verständnis für den modularen Stil der indischen Musik. Kurz darauf verwarf er seinen früheren Kompositionsstil vollständig und begann, sich bei der Organisation seiner Stücke ausschließlich auf das östliche Prinzip des zyklischen Rhythmus zu verlassen.

Harmonie und Modulation wurden später hinzugefügt, aber diese bestanden normalerweise nur aus wenigen statischen Akkorden. Durch das Anschauen von Shankar wurde Glass auch klar, dass er tatsächlich eine Karriere als Komponist und Performer machen könnte. Vor 1966 hatte Glass 80 Stücke komponiert. Jetzt schienen sie alle irrelevant. Er hat quasi neu angefangen.

Nach seiner Rückkehr aus Europa im Jahr 1967 organisierte der Komponist das Philip Glass Ensemble, eine siebenköpfige Gruppe bestehend aus drei E-Keyboardern und drei Bläsern mit einem Toningenieur. Das Ensemble debütierte am 13. April 1968 in New York und unternahm im folgenden Jahr die erste von mehreren Europatourneen. Bemerkenswerte Werke aus dieser Zeit sind Pieces in the Shape of a Square (1968), Music in Similar Motion (1969), Music for Voices (1972), Music in Twelve Parts (1971-1974) und Music with Changing Parts (1971). , ein Doppelalbum und die erste Veröffentlichung von Glass’s Chatham Records.

Musikalisches Neuland betreten

Der Ruf von Glass als ernsthafter Komponist litt in dieser Zeit, teilweise weil er kein akademischer Komponist war. Stiftungen, die neue Musikkompositionen unterstützen, brüskierten ihn. In den Anfangsjahren des Ensembles arbeitete Glass als Kranführer, Möbeltransporter, Klempner und Taxifahrer, um die Gruppe zu unterstützen. Er wollte autark und unabhängig sein – „mich selbst in die Lage versetzen, das zu schaffen, was ich wollte, ohne mich vor einem Ältestenrat darüber verantworten zu müssen, ob ich ein ernsthafter Komponist bin“, sagte er Smithsonian. Er arbeitete weiterhin Gelegenheitsjobs bis 1978, als ihm die Kombination aus einem Stipendium und einem Auftrag der Niederländischen Oper die Freiheit gab, sich voll und ganz auf das Komponieren zu konzentrieren.

Glass kontrollierte seine Musik von ihrer Entstehung an, einschließlich der Sicherung des Urheberrechts dafür, und erlaubte dann nur dem Ensemble, sie zu spielen und aufzunehmen. „Ich hatte das Gefühl, wenn ich ein Monopol auf die Musik hätte, würde es mehr Arbeit für das Ensemble geben, wenn die Musik bekannter würde“, sagte er zu Duckworth. ‘In den nächsten elf Jahren waren die einzigen Leute, die meine Musik spielten, das Ensemble.’

Es war diese einzigartige Herangehensweise an die Ökonomie der Musik, die Glass auch von seinen Kollegen abhebt. „Ich dachte mir, wenn ich den Verlag zum Laufen bringen könnte, müsste ich nicht noch einmal arbeiten. Und es stellte sich als wahr heraus. Tatsächlich kannst du deinen Lebensunterhalt verdienen und die Musik machen, die du willst; Es erfordert eine Kombination aus vielen verschiedenen Fähigkeiten. Vergessen Sie nicht, dass ich als Kind in einem Plattenladen zu arbeiten begann. Das Erste, was ich über Musik wusste, war, dass man sie verkauft; mit anderen Worten, die Leute haben dafür bezahlt.’

Glass machte sich langsam einen Namen. Der Auftritt des Ensembles am Royal College of Art in London im Jahr 1970 erweckte Unterstützung für seine Arbeit. 1974 wurden die ersten Teile von „Music in Twelve Parts“ auf Virgin Records, einem Progressive-Rock-Label, veröffentlicht, wodurch seine Bekanntheit gegenüber dem Publikum populärer Musik stieg. Glass zählte bald so populäre Künstler wie David Bowie und Brian Eno zu seinen Fans, und sein Einfluss war in der Rockmusik von Tangerine Dream und Pink Floyd zu hören.

Seine Fähigkeit, zahlreiche musikalische Fraktionen anzusprechen, führte dazu, dass er als „Crossover“-Phänomen beschrieben wurde. Tatsächlich ist er laut David Ewen der einzige Komponist, der jemals Standing Ovations an drei verschiedenen Veranstaltungsorten wie der Carnegie Hall, dem Metropolitan Opera House und dem Bottom Line, einem ehrwürdigen Musikclub in New York City, erhalten hat.

Zurückgewiesener Minimalismus als genaue Beschreibung

Obwohl Glass untrennbar mit Minimalismus verbunden ist, behauptet er, dass Kritiker einen Moment in seiner Karriere auswählen, der längst vergangen ist. Er sagte, die nützlichste Beschreibung sei „verstärkte Kammermusik“.

Der Minimalismus, der Ende der 1960er Jahre als Kompositionsstil en vogue war, betonte eher eine Vereinfachung der Musik als komplexe musikalische Strukturen wie Harmonie, Melodie, Modulation und Rhythmus. „Mit dem Minimalismus erfand Philip Glass eine neue Art von Musik, die eine enorme Gruppe von Menschen anzog, die noch nie zuvor klassische Musik gehört hatten und in einigen Fällen immer noch nur seine Form davon hören“, Joseph McLellan, Kritiker klassischer Musik Emeritus der Washington Post gegenüber Smithsonian im Jahr 2003.

„Die Schwierigkeit besteht darin, dass das Wort nicht die Musik beschreibt, die die Leute hören werden“, sagte Glass Ende der 1990er Jahre in einem Interview mit Duckworth. „Ich glaube nicht, dass „Minimalismus“ es angemessen beschreibt.“ Noch 2003 protestierte Glass dagegen: „Das ist ein von Journalisten erfundener Begriff. Ich habe das Wort nie gemocht“, sagte er zu Smithsonian, „aber ich mochte die Aufmerksamkeit! … Der Begriff wurde zu einer Art Abkürzung für Leute, die Musik machten, die eine radikale Rückkehr zu Tonalität, harmonischer Einfachheit und stetigen Rhythmen war.

Glass verwendet in der Tat sich wiederholende Rhythmuszyklen, ähnlich wie hinduistische Ragas, die sich langsam über lange Zeiträume ändern und bei manchen Zuhörern einen tranceähnlichen Zustand hervorrufen sollen. Sicherlich verbindet seine Arbeit die östlichen musikalischen Konzepte von Raum, Zeit und Veränderung mit westlichen musikalischen Elementen wie der diatonischen Harmonie.

Die Allianz von Glass mit der bildenden Kunst führte zu einer Zusammenarbeit mit Robert Wilson, dem Maler, Architekten und Führer in der Welt des Avantgarde-Theaters. Einstein on the Beach, eines der bekanntesten Werke von Glass, wurde bei seiner Premiere am 25. Juli 1976 in Avignon, Frankreich, mit Begeisterung aufgenommen und war ausverkauft, als es in New York an der Metropolitan Opera aufgeführt wurde. Dieses abendfüllende Bühnenwerk ist eher eine Reihe von „Ereignissen“ als eine Oper und erforscht durch Tanz und Bewegung die gleichen Konzepte von Zeit und Veränderung, die Glass durch Musik erforschte.

Mehrere Charaktere erscheinen als Einstein, einer spielt sich wiederholende Motive auf einer Geige; ein Chor intoniert sich wiederholende Zahlenfolgen und Klischees; Tänzer und Schauspieler führen sich wiederholende Aktionen aus, wie z. B. das Hin- und Herbewegen über die Bühne in Zeitlupe. Einstein on the Beach hat weniger mit Bedeutung als mit Konzept zu tun. „Gehen Sie zu Einstein und genießen Sie die Sehenswürdigkeiten und Geräusche“, rät Robert Wilson in einem Interview, „spüren Sie die Gefühle, die sie hervorrufen. Hören Sie sich die Bilder an.’

Glass folgte dieser Arbeit mit weiteren Theatererfolgen. Satyagraha, 1980 von der Stadt Rotterdam in Auftrag gegeben, ist die rituelle Verkörperung pazifistischer Spiritualität. Basierend auf dem Leben von Gandhi entfaltet sich die Oper als eine Reihe von Bildern, die sein frühes Leben nachzeichnen. Das Libretto stammt ausschließlich aus der Bhagavad Gita und wird in Sanskrit gesungen. Es gilt als eines der lyrischsten Werke von Glass.

Ebenfalls in diesem Jahrzehnt komponierte Glass The Photographer, eine Kammeroper, die auf dem Leben des Erfinders Eadweard Muybridge aus dem frühen 20. Jahrhundert basiert (Amsterdam, 1982), und Akhnaton, seine dritte Oper, die 1984 an der Stuttgarter Oper aufgeführt wurde. Außerdem Glass begann Musik für Filme zu schreiben. Das bemerkenswerteste unter diesen frühen Arbeiten war Koyaanisqatsi, das 1982 erfolgreich beim New York Film Festival gezeigt wurde. Es markierte den Beginn seiner Zusammenarbeit mit dem Filmemacher Godfrey Reggio. Dies war der erste in einer Trilogie von Filmen. Die Musik aus diesem Film ist fester Bestandteil des Repertoires des Ensembles und wird weiterhin häufig von der Gruppe live aufgeführt.

Im selben Jahr veröffentlichte er Glassworks, seine erste und eine der ersten digitalen Aufnahmen überhaupt. Es bestand aus kurzen Stücken und wurde speziell gemischt, um ein neues Unterhaltungselektronikgerät namens The Walkman zu nutzen. Glass komponierte weiter, darunter zahlreiche Werke für Mabou Mines, Aufträge für Opern und Kunstinstallationen sowie Werke für die Choreografen Lucinda Childs, Alvin Ailey und Jerome Robbins. Glass arbeitete auch mit Wilson an einer anderen Oper, CIVIL WARS: A Tree Is Best Measured When It Down, sowie Allen Ginsberg, dem Beat-Poeten, an Hydrogen Jukebox.

Glass setzte seine Zusammenarbeit bis in die 1990er Jahre und darüber hinaus fort. Er komponierte drei Opern nach Filmen des verstorbenen französischen Autors und Filmregisseurs Jean Cocteau. Orphee, 1993 von Glass komponiert, folgte genau dem Soundtrack des Films. In La Belle et la Bête (1994) ging Glass noch einen Schritt weiter, entfernte den Film von seiner Tonspur und schuf eine live und sorgfältig synchronisierte Opernbegleitung, die ihren Platz unter seinen besten und aufregendsten Werken einnahm.

In Les Enfants Terribles (1996) tat sich Glass mit der Choreografin Susan Marshall zusammen, um die Geschichte eher durch Instrumentalmusik und Tanz als durch Gesang zu erzählen.

Seit 1983 hat Glass weiterhin für Filme wie Mishima und Thin Blue Line komponiert, was Billboard zu der Feststellung veranlasste, dass „nur wenige klassische Komponisten eine so innovative und dynamische Beziehung zur Filmmusik vorweisen können wie die von Philip Glass“. Später fügte er seiner langen Liste seiner Erfolge zwei Oscar-Nominierungen hinzu.

1997 komponierte und nahm Glass eine Symphonie auf, die auf dem David-Bowie-Album Heroes basiert. Ein Rezensent bemerkte in New Statesman, dass Glass seine Hilfe zugeschrieben werden musste, einen riesigen Hammer an die Wand zu schlagen, der traditionell klassische und Rockmusik trennte. In demselben Artikel kommentierte Glass: ‘So wie sich Komponisten der Vergangenheit der Musik ihrer Zeit zugewandt haben, um neue Werke zu gestalten, wurde das Werk von Bowie zu einer Inspiration für meine eigenen Symphonien.’

Glass veröffentlichte 1999 Aguas de Amazonia, das sich stark auf einen brasilianischen Einfluss stützte, und er produzierte auch seine Symphonie Nr. 2 (Nonesuch), die viel Kritikerlob erhielt. Er schuf weiterhin viele neue Werke und unternahm eine kurze Solo-Tournee durch Europa. Ebenfalls 1999 schuf Glass einen Soundtrack für den Film Dracula unter der Regie von Bela Lugosi.

Als das Jahr 2000 näher rückte, fand Glass weiterhin interessante Kooperationen. Er und Wilson arbeiteten erneut mit der Kleiser-Walczak Construction Company an einem einzigartigen digitalen Film-Performance-Projekt zusammen. „Monsters of Grace“ kombinierte alte Poesie mit modernen Ideen und Technologien.

„Monsters of Grace kombiniert Technologie, Poesie, Animation und Musik zu einer meditativen 3-D-Oper“, erklärte 1999 ein Mitarbeiter des ComputorEdge-Magazins , während Live-Musiker die Partitur vortragen. Der Film der Produktion soll in seiner digitalen Komplexität mit Toy Story oder A Bug’s Life mithalten können und ist der bisher längste digitale Film – wahrscheinlich der längste stereoskopische Film.’ Es war Glass, der „vorschlug, Coleman Barks Übersetzungen des mystischen Dichters Rumi für die Texte von Monsters of Grace zu verwenden“.

Glas arbeitet jeden Tag. Dies führt er auf Boulangers Einfluss zurück. Er arbeitet normalerweise von 6 Uhr morgens bis Mittag; Nachmittage sind der Arbeit im Atelier gewidmet. Er versucht, ein- oder zweimal pro Woche neue Werke zu hören, und nimmt sich jede Woche einen Nachmittag Zeit, um mit Menschen zu sprechen. Er verwendet auch Sampling, um den Kompositionsprozess zu beschleunigen, und hat gesagt, dass er nur dadurch begrenzt ist, wie viel Musik er schreiben kann, was immer noch produktiv zu sein scheint.

‘Wenn wir Bankerstunden arbeiten würden, würden wir nichts erreichen!’ erzählte er Mark Prendergast in The Ambient Century: From Mahler to Trance – The Evolution of Sound in the Electronic Age. Dieses Tempo hielt unvermindert an. 2001 wurde er vom Lincoln Center Festival zum Featured Composer ernannt. Im selben Jahr arbeitete er an „Shorts“ – er vertonte Kurzfilme von Reggio, Peter Greenaway und Atom Egoyan – und inszenierte „White Raven“, eine Oper in fünf Akten kreiert mit Wilson und ursprünglich 1998 in Auftrag gegeben, um portugiesische Entdecker wie Vasco da Gama zu feiern.

Dennoch erforschte Glass weiterhin scheinbar kosmische Ideen darüber, wie Geschichte, soziales Bewusstsein und Musik in Werken wie „Galileo Galilei“ (2002) und Sinfonie Nr. 5: Requiem, Bardo und Nirmanakaya, die „die Geschichte von umfasst die Welt in etwas mehr als 90 Minuten“, so die Washington Times. Einige Rezensenten stellten fest, dass seine Arbeit eine meditative Qualität hat, die zweifellos mit seiner buddhistischen Praxis verbunden ist.

Bis 2003 hatte Glass mehrere weitere Projekte, an denen er arbeitete, darunter seine zwanzigste Oper „The Sound of a Voice“ mit Henry Hwang und Partituren für die Filme, darunter The Hours, die ihm 2003 eine Oscar-Nominierung einbrachten, und Naqoyqatsi, the letzter Film der Reggio-Trilogie. Der American Record Guide sagte in einer Rezension vom März/April 2003, dass in diesem letzteren Soundtrack, wenn die Musik „mit Bildern überspannt“ wird, die Musik „ein mysteriöses Leben“ annimmt.

Er steuerte auch die Partitur zu The Fog of War (2003) bei, einem Dokumentarfilm von Errol Morris über Robert McNamara, den ehemaligen US-Verteidigungsminister, und veröffentlichte verschiedene Aufnahmen seiner Werke, einschließlich des Soundtracks dieses Films, auf seinem Label Orange Mountain Music .

Dennoch gab es weiterhin Kritiker. John Rockwell, Redakteur der Abteilung für Kunst und Freizeit der New York Times, schrieb im Jahr 2000 in The New Republic und tadelte Glass dafür, dass er müde und langweilig sei, und schrieb, dass seine Arbeit „an Qualität abgenommen hat, und dieser Rückgang kann beschrieben werden .’ Rockwell behauptet, dass Glass seit etwa 1984 den Glauben oder das Interesse an kompositorischen Mitteln wie Wiederholung und Periodisierung verloren habe und „zu unruhig, zu bereitwillig sei, sich dem konventionellen Geschmack anzupassen“. Er fügte hinzu, dass Glass ‚jetzt nervös auf sein Publikum eingeht, aus Angst, es könnte sich langweilen. Und seine Anbiederung untergräbt die radikale, hypnotische Aura seiner frühen Musik.’

„Künstler haben eine Art, ihre Kritiker zu überraschen und zu besiegen“, fuhr Rockwell fort. »Wenigstens arbeitet er noch. Er hat nicht gekündigt, als er vorne lag, oder sich vorzeitig zurückgezogen.’ Es gibt noch keine feste Meinung darüber, welches Erbe Glass hinterlassen wird. Prendergast bemerkt, dass Glass’ Beitrag zur elektronischen Musik am meisten unterschätzt wird. Es war Glass, der die frühen tragbaren Farfisa-Orgeln populär machte und die polyphonen Synthesizer der 1970er Jahre in die Konzertsäle brachte.”

David Schiff, der 2001 in The Atlantic Monthly schrieb, stellte fest, dass Glass „wahrscheinlich der einzige amerikanische Komponist seit George Gershwin ist, dessen Musik in einer Cocktaillounge … oder einem Konzertsaal gleichermaßen gut funktionieren könnte. Ob das gut ist, darüber hat sich die Musikwelt noch keine Gedanken gemacht.’

Die berufliche Laufbahn von Philip Glass

Beginn des Geigen- und Querflötenspiels, frühe Kindheit; Abschluss an der University of Chicago, 1956; Absolvent der Juilliard School of Music in New York City; Fortsetzung des Kompositionsstudiums bei Steve Reich, Darius Milhaud, Nadia Boulanger; begann während seines Studiums in Paris Musik für Theater zu machen; arbeitete und studierte mit Ravi Shankar, 1965-1966; zog zurück nach New York und gründete 1967 das Philip Glass Ensemble; begann 1971 produktiv Stücke zu kreieren, darunter Music with Changing Parts, 1971.

Andere bemerkenswerte Stücke sind die Opern Einstein on the Beach, 1976, Satyagraha, 1980, CIVIL warS: a tree is best measure when it is down, 1984; und Filmmusik für Koyaanisqatsi, 1982, Mishima und Thin Blue Line; schuf eine Symphonie basierend auf David Bowies Heroes, 1997. Verschiedene andere Werke umfassen die Opern Monsters of Grace, 1999, und Galileo Galilei, 2002; plus Partituren für die Filme The Hours, Naqoyqatsi und The Fog of War, 2003.

Auszeichnungen von Philip Glass

Broadcast Music Industry Award, 1960; Lado-Preis, 1961; Benjamin-Preis, 1961, 1962; Stipendium der Ford Foundation, 1962; Preis junger Komponisten, 1964; Musiker des Jahres, Musical America, 1985; Golden Globe Award für The Truman Show, 1999.

Berühmte Werke

Ausgewählte Diskographie

• Music in Similar Music/Music in 5ths Chatam Square, 1973.
• Music in 12 Parts Virgin, 1975; rereleased, Nonesuch, 1996.
• North Star Virgin, 1977.
• Einstein on the Beach Atlantic, 1979; rereleased, Elektra, 1993.
• Glassworks CBS Masterworks, 1982.
• Koyaanisqatsi Antilles, 1983.
• Akhnaten Columbia, 1984.
• Satyagraha Columbia, 1985.
• Mishima Nonesuch, 1985.
• Songs From Liquid Days Columbia, 1986.
• Dancepieces Columbia, 1987.
• Powaqqatsi Elektra, 1988.
• Mad Rush; Metamorphosis; Wichita Sutra Vortex CBS Masterworks, 1989.
• 1000 Airplanes on the Roof Alliance, 1989.
• The Thin Blue Line Elektra, 1989; reissued, Orange Mountain Music, 2003.
• Mindwalk 1990.
• Hydrogen Jukebox Elektra, 1993.
• Glassworks Catalyst, 1993.
• Low Symphony Polygram, 1994.
• Music With Changing Parts Elektra, 1994.
• La Belle et la Bête (Beauty and the Beast) Nonesuch, 1995.
• Secret Agent Nonesuch, 1996.
• Heroes Symphony Point, 1997.
• Kundun Elektra, 1997.
• Dracula Elektra, 1999.
• CIVIL warS: a tree is best measured when it is down: ACT V; The Rome Section Nonesuch, 1999.
• Piano Music of Philip Glass Roméo/Qualiton, 2000.
• Songs from Liquid Days Silva Classics, 2000.
• Symphony No. 5: Requiem, Bardo, Nirmanakaya Nonesuch, 2000.
• The Music of Candyman Orange Mountain Music, 2001.
• Music in the Shape of a Square Stradivarius, 2001.
• The Hours: Music from the Motion Picture Nonesuch, 2002.
• Naqoyqatsi (soundtrack), Sony Classical/Sony Music Soundtrax, 2002.
• Etudes for Piano, Vol. I, No. 1-10 Orange Mountain Music, 2003.
• The Fog of War Orange Mountain Music, 2003.

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