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Una aproximación a la música de PIAZZOLLA: un análisis de su música y estilo de composición (1/2)
1. Astor Piazzolla. Introducción
Astor Piazzolla nació en 1921 en Mar del Plata, localidad al sur de Buenos Aires, donde vivió sus dos primeros años. Por diversas circunstancias, su familia se mudó a Nueva York, donde Astor pasó la mayor parte de su infancia. Sus padres, que habían emigrado de Italia, trabajaron duro para ganarse la vida en Nueva York.
A Vicente, el padre de Astor, le encantaba la música de tango tradicional de Argentina y cuando Astor tenía ocho años, con la esperanza de que algún día su hijo fuera músico de tango, le regaló un bandoneón para su cumpleaños. A Astor no le gustaba en absoluto el tango tradicional, pero sí disfrutaba de la música clásica.
Un día escuchó a uno de los vecinos practicando el piano; un concertista de piano se había mudado a un apartamento y ahora practicaba una música que fascinaba a Astor:
‘A esa edad no sabía quién era Bach, pero me sentí como si me hubieran hipnotizado. Es uno de los grandes misterios de mi vida. No sé si fue Johann Sebastian Bach o alguno de sus hijos. Creo que compré todas las obras grabadas de Bach, pero nunca pude volver a encontrar esa música. Ese pianista practicaba nueve horas diarias: tres horas de técnica por la mañana, tres horas de Bach por la tarde y tres por la noche, probando repertorio para sus conciertos. Era húngaro. Se llamaba Béla Wilda y pronto se convirtió en mi maestro.
Como maestro suyo, Béla Wilda introdujo la música clásica en la vida de Astor y ayudó a adaptar la música de Bach al bandoneón. De vez en cuando, Astor tocaba el bandoneón en la escuela y pronto se hizo popular; tenía un gran talento y tocar el bandoneón era bastante raro en Nueva York en aquel entonces. En esta época conoció al famoso actor y cantante de tangos Carlos Gardel, y gracias a su talento comenzó a acompañar a Gardel en algunas presentaciones.
Astor aprendió algunos tangos y también participó en una película de Gardel. En 1936 la familia Piazzolla regresó a Mar del Plata y en esta época Astor tuvo un nuevo gran descubrimiento musical; era una orquesta de tango lo que escuchó en la radio. Esto lo inspiró profundamente y en 1938 se muda, solo, a Buenos Aires para ser músico de tango. Luego de algunos años de tocar en diferentes orquestas de tango comienza a tocar en una de las orquestas más codiciadas; la orquesta de Aníbal Troilo. Al poco tiempo Astor se convierte en arreglista de la orquesta y mientras tanto estudia composición con Alberto Ginastera.
A finales de los años 40 Astor funda su propia orquesta y, impulsado por la música clásica, desarrolla su propio estilo. Mientras tanto continúa estudiando composición y también estudia piano y dirección de orquesta, y en 1953 gana el primer premio en un concurso de composición que lo lleva a un viaje de un año a París.
Con la famosa pedagoga Nadia Boulangier como profesora, estudia contrapunto, armonía y composición de pastiche. Ella le dijo que todo lo que le aportaba estaba bien hecho pero que no encontraba al verdadero Piazzolla en sus obras. Astor no le había dicho que era músico de tango; conocer su aplomo en el mundo de la música clásica lo hizo avergonzarse de su pasado:
‘Nadia me miró a los ojos y me pidió que tocara uno de mis tangos en el piano. Entonces le confesé que tocaba el bandoneón; Le dije que no debería esperar un buen pianista porque yo no lo era. Ella insistió: “No importa, Astor, toca tu tango”. Y comencé con “Triunfal”. Cuando terminé, Nadia tomó mis manos entre las suyas y con ese inglés tan dulce suyo, dijo: “Astor, esto es hermoso. Me gusta mucho. Aquí está el verdadero Piazzolla: nunca lo dejéis”. Fue la gran revelación de mi vida musical.’
Este fue su gran punto de ruptura, y al regresar de su período de estudios con Nadia Boulangier en París formó su Octeto de Buenos Aires, y fue en ese momento que comenzó a desarrollar su propio estilo de composición de verdad. Al crecer en Nueva York y Buenos Aires, fue influenciado por el Blues y el Tango. Como resultado, combinando esto con la inspiración de Bach (cuyos inventos aprendió de Belá Wilda) y Stravinsky, llevó el tango a una nueva era. Con influencias de la música clásica, Piazzolla utilizó técnicas que no eran tradicionales en la música de tango. Aplicó una forma de pensar contrapuntística y amplió las estructuras formales de la música de tango procesando material temático.
Del legado de Bach, por ejemplo, utilizó la técnica de la fuga, voces en capas, secuencias y líneas de pedales como herramientas de composición. Influenciado por Bartok, Stravinsky y Ravel, aplicó armonías extendidas y técnicas de orquestación que no estaban en la música de tango tradicional. Piazzolla colaboró con varios conjuntos donde exploró la expresión de su estilo, y los músicos con los que trabajó a menudo contribuyeron con su estilo personal de interpretación. . Estas contribuciones resultan ser componentes importantes del estilo de Piazzolla.
2. Algunas características del estilo de Piazzolla
Según Quin Link, un patrón rítmico esencial que se convirtió en el sello distintivo de Piazzolla es el tresillo. La estructura básica de este ritmo es 3+3+2 y tiene su origen en la tradición del canto milonga canción donde tiene como estructura 3+1+2+2. Este último también se conoce como ritmo de milonga, ritmo de habanera o ritmo de rumba.
El ritmo superficial en la música de Piazzolla suele acentuarse con el tresillo o sus variantes obtenidas mediante turnos. Al cambiarlo en etapas, se crean ocho ritmos diferentes, donde algunos de ellos son más comunes que otros. Además, estas células rítmicas se pueden emparejar en dos o más compases y formar un sentimiento 2:3, por ejemplo 133333.
Como era de esperarse, varias de las características de este estilo se derivan del tango tradicional. Algunas de ellas, como el tresillo, son más frecuentes que otras. Una que también se aplica repetidamente es la técnica del marcato. Es una línea melódica en entrepiernas constantes, típicamente tocada por el piano y el contrabajo. La técnica del marcato proporciona una base en términos rítmicos.
Sin embargo, también tiene una importante función armónica similar a la línea del Walking Bass en el jazz. Además, un patrón rítmico esencial en el idioma es el arrastre, que es un gesto alegre que se origina cuando el bandoneón abre su fuelle antes de un tiempo fuerte. El arrastre es imitado por el piano como una escala ascendente y por las cuerdas como un slide. Para parecerse a un efecto de percusión, el arrastre del piano se ejecuta como una serie indefinida de notas.
Piazzolla aplicó en sus composiciones los gestos de percusión que habían sido comunes en el tango tradicional. Efectos como: lija(papel de lija); golpe(golpe); látigo(látigo); perro(perro); y tambor (caja) a menudo eran interpretados por el violín y ocurren con frecuencia en su estilo. Otra técnica de percusión es el strappato, que a menudo se toca con la base doble, y los patrones rítmicos fuertemente acentuados que el piano reproduce a menudo de forma percusiva.
En Instrumental Rubato and Phrase Structure in Astor Piazzolla’s Music, Kutnowski analiza la estructura de la frase en la música de Piazzolla y detecta una técnica que define como rubato instrumental. Se trata de las transformaciones rítmicas que sufre una melodía cuando avanza hacia el final de una frase más rápido de lo requerido o esperado. Sostiene que esta técnica tiene su origen en la tradición del canto del tango, en particular del cantor Carlos Gardel.
El rubato solía ser improvisado por el cantante. En consecuencia, cuando se tocaba simultáneamente con varios instrumentos, debía anotarse en la partitura. Además, Kutnowski describe la estructura de la frase en la música de Piazzolla como una técnica de superposición, donde el último compás de una frase al mismo tiempo es el primer compás de la siguiente frase. Además, sostiene que crea una sensación de continuidad.
3. Libertango Análisis.
Publicado en 1974, Libertango es probablemente una de las composiciones más conocidas del voluminoso catálogo musical de Piazzolla. Muchos artistas lo han grabado; Gracie Jones, por ejemplo, tuvo un éxito con él en los años ochenta (con letra en inglés) y YoYo Ma lo tocó en su álbum ganador del premio Grammy Soul of the tango.
Existen muchas versiones de esta pieza, sin embargo, he optado por analizar la disposición que creo representa la más común. Libertango es una pieza en cuatro tiempos con estructura ABA. Sin embargo, al estar presente en la línea de bajo durante toda la pieza; el ritmo del tresillo de hecho satura la pieza. Con la línea de bajo como base, la pieza se caracteriza por un gesto de ostinato y diversas melodías que se combinan de forma contrapuntística.
Las secciones principales tienen una progresión de acordes basada en una línea de bajo de pedal y una línea de bajo en movimiento descendente. Por el contrario, la progresión de acordes de la sección secundaria se basa en un quinto movimiento con tonización.
En consecuencia, la armonía se basa en general en progresiones regulares II-VI en modo menor y, aparte de las breves modulaciones ornamentales que representan las tonicizaciones, no hay ningún cambio de área tonal. Las secciones principales recuerdan en realidad a un coro de jazz; con algunas variaciones, se repite una y otra vez.
La primera subsección comienza presentando el gesto de ostinato y la línea de bajo, que se completan rítmicamente por sus ritmos acentuados; este último tiene el tresillo número 1 y el primero el número 7. En cuanto al inciso de introducción en Milonga del ángel, este inciso establece el ambiente y espera que llegue la melodía.
Al estar presentes en toda la pieza y por sus características rítmicas, el ostinato y la línea de bajo constituyen la columna vertebral del Libertango. Las melodías que se agregan una por una a medida que ingresa una nueva subsección, constan principalmente de valores de notas largas; en consecuencia, forman una especie de complemento a la columna vertebral rítmica. Aunque no son tan claras como la línea de bajo, las melodías tienen un movimiento descendente.
En consecuencia, las secuencias de tonicización en S son el único pasaje donde se abandona por un momento el movimiento descendente general. La línea de bajo en las subsecciones principales se puede definir como pendiente o descendente. Como complemento al movimiento de la línea de bajo, parece que la melodía tiene un papel más activo cuando la línea de bajo está pendiente; y viceversa, la melodía queda pendiente cuando la línea de bajo desciende.
Como muestra la ilustración, las melodías se mueven como tríadas mientras la línea de bajo está pendiente. Esto implica que se aclara la progresión de acordes motívicos (t DD D), característica de la música de Piazzolla. Cuando la línea de bajo desciende, es más o menos la misma progresión de acordes; sin embargo, ahora son las notas del bajo las que aclaran los acordes. Mientras que la progresión de acordes en P se basa en esta progresión de acordes motívicos, la progresión de acordes en S es en cambio un ciclo de quintas que se prolonga mediante tonicización. En consecuencia, esta técnica puede ser característica de la música de Piazzola.
Como se ilustra arriba, la secuencia comienza transformando el subdominante (Dm) en un tónico temporal. Luego se le asigna el papel de supertónico (Dm7b5) en relación con el nuevo tónico temporal (Do).
(Próximo Post: “Milonga del Angel” and “Fuga y Misterio” and Summary)
Partituras de Astor Piazzolla disponibles para descargar en nuestra biblioteca.
Astor Piazzolla: Libertango, Oblivion… | Classical & Orchestral TributeAstor Piazzolla.
TRACKLIST
0:00:00 Oblivion Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Nike Hutchisson, cello 0:03:35 Libertango Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Nike Hutchisson, cello 0:06:27 Adiós Nonino (Live) Orchestra da Camera Fiorentina, Giuseppe Lanzetta Mario Stefano Pietrodarchi, accordion 0:11:50 Milonga del Ángel (Live) Orchestra da Camera Fiorentina, Giuseppe Lanzetta Mario Stefano Pietrodarchi, accordion
0:15:16 Meditango (Live) Orchestra da Camera Fiorentina, Giuseppe Lanzetta Mario Stefano Pietrodarchi, accordion 0:20:48 Violentango (Live) Orchestra da Camera Fiorentina, Giuseppe Lanzetta Mario Stefano Pietrodarchi, accordion 0:24:16 Lo Que Vendrá Ankordis Trio 0:27:52 Ave Maria Ankordis Trio 0:33:30 Vuelvo Al Sur Ankordis Trio 0:37:03 María De Buenos Aires: Alevare Ankordis Trio
0:42:50 María De Buenos Aires: Balada Para Un Organito Loco Ankordis Trio 0:50:32 María De Buenos Aires: Yo Soy María Ankordis Trio 0:53:34 Cuatro Estaciones Porteñas (The Four Seasons of Buenos Aires), I. Verano Porteño (Live) Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Mikael Samsonov, cello 0:59:34 Cuatro Estaciones Porteñas (The Four Seasons of Buenos Aires), III. Primavera Porteña (Live) Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Mikael Samsonov, cello
1:05:01 Cuatro Estaciones Porteñas (The Four Seasons of Buenos Aires), III. Otoño Porteño (Live) Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Mikael Samsonov, cello 1:11:58 Le Grand Tango (Live) Metamorphose String Orchestra, Pavel Lyubomudrov Mikael Samsonov, cello