Igor Strawinsky: die 100 inspirierendsten Musiker aller Zeiten
Der in Russland geborene Komponist Igor Strawinsky (geb. 5. Juni [17. Juni, New Style] 1882, Oranienbaum [heute Lomonossow], in der Nähe von St. Petersburg, Russland – gest. 6. April 1971, New York, N.Y., USA) hatte Werke Kurz vor und nach dem Ersten Weltkrieg hatte er einen revolutionären Einfluss auf das musikalische Denken und die musikalische Sensibilität, und seine Kompositionen blieben für einen Großteil seiner langen Karriere ein Prüfstein der Moderne.
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Frühe Jahre
Strawinskys Vater war einer der führenden russischen Opernbassisten seiner Zeit, und die Mischung aus musikalischen, theatralischen und literarischen Bereichen im Haushalt der Familie Strawinsky übte einen nachhaltigen Einfluss auf den Komponisten aus. Dennoch entwickelte sich seine eigene musikalische Begabung recht langsam. Als Junge er
erhielt Unterricht in Klavier und Musiktheorie. Doch dann studierte er Jura und Philosophie an der Universität St. Petersburg (Abschluss 1905) und erst nach und nach wurde ihm seine Begabung für die musikalische Komposition bewusst. 1902 zeigte er dem Komponisten Nikolay einige seiner frühen Stücke
Rimski-Korsakow, der so beeindruckt war, dass er Strawinsky als Privatschüler nahm, ihm aber gleichzeitig davon riet, das Konservatorium für eine konventionelle akademische Ausbildung zu besuchen.
Rimski-Korsakow unterrichtete Strawinsky hauptsächlich in der Orchestrierung und fungierte als Mentor des angehenden Komponisten. Er nutzte seinen Einfluss auch, um die Musik seines Schülers aufführen zu lassen. Mehrere von Strawinskys Schülerwerken wurden in den wöchentlichen Zusammenkünften von Rimsky-Korsakovs Klasse aufgeführt
Zwei seiner Orchesterwerke – die Symphonie in Es-Dur und Der Faun und die Hirtin, ein Liederzyklus mit Texten von Alexander Puschkin – wurden 1908, dem Todesjahr von Rimski-Korsakow, von der Hofkapelle gespielt. Im Februar 1909 entstand ein kurzes, aber brillantes Orchesterstück, das
Scherzo fantastique wurde in St. Petersburg bei einem Konzert aufgeführt, an dem der Impresario Serge Diaghilev teilnahm, der von Strawinskys Versprechen als Komponist so beeindruckt war, dass er schnell einige Orchesterarrangements für die Sommersaison seiner Ballets Russes in Paris in Auftrag gab.
Für die Ballettsaison 1910 wandte sich Diaghilew erneut an Strawinsky und gab dieses Mal die Partitur für ein neues abendfüllendes Ballett zum Thema „Feuervogel“ in Auftrag.
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Russische Periode
Die Uraufführung von „Der Feuervogel“ an der Pariser Opéra am 25. Juni 1910 war ein durchschlagender Erfolg, der Strawinsky über Nacht als einen der begabtesten Komponisten der jüngeren Generation bekannt machte. Der Feuervogel war der erste einer Reihe spektakulärer Kooperationen zwischen Strawinsky und Diaghilews Firma. Im folgenden Jahr feierten die Ballets Russes am 13. Juni 1911 die Premiere des Balletts Petruschka, wobei Vaslav Nijinsky die Titelrolle zu Strawinskys Partitur tanzte. In der Zwischenzeit hatte Strawinsky die Idee, eine Art symphonisches heidnisches Ritual mit dem Namen „Großes Opfer“ zu schreiben.
Das Ergebnis war „Le Sacre du printemps“, dessen Komposition sich über zwei Jahre (1911–13) erstreckte. Die Uraufführung von „Le Sacre du Printemps“ am 29. Mai 1913 im Théâtre des Champs-Élysées löste einen der berühmtesten Unruhen in der ersten Nacht des Jahres aus Die Geschichte des Musiktheaters. Begeistert von Nijinskys ungewöhnlicher und suggestiver Choreografie und Strawinskys kreativer und gewagter Musik jubelte, protestierte und stritt das Publikum während der Aufführung, was einen solchen Lärm verursachte, dass die Tänzer das Orchester nicht hören konnten.
Diese äußerst originelle Komposition mit ihren wechselnden und kühnen Rhythmen und ihren ungelösten Dissonanzen war ein Meilenstein der frühen Moderne. Von diesem Zeitpunkt an galt Strawinsky als „Komponist des Frühlingsopfers“ und als destruktiver Modernist schlechthin.
Strawinskys Erfolge in Paris mit den Ballets Russes entwurzelten ihn praktisch aus St. Petersburg. Er hatte 1906 seine Cousine Catherine Nossenko geheiratet und nach der Premiere von „Der Feuervogel“ im Jahr 1910 brachte er sie und ihre beiden Kinder nach Frankreich. Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs im Jahr 1914 beeinträchtigte jedoch die Aktivitäten der Ballets Russes in Westeuropa erheblich, und Strawinsky stellte fest, dass er sich nicht mehr auf diese Kompanie als regelmäßigen Absatzmarkt für seine neuen Kompositionen verlassen konnte. Der Krieg setzte ihn auch praktisch in der Schweiz fest, wo er und seine Familie regelmäßig ihre Winter verbracht hatten und dort auch den größten Teil des Krieges verbrachten. Die Russische Revolution im Oktober 1917 zerstörte endgültig jede Hoffnung Strawinskys auf eine Rückkehr in sein Heimatland.
Im Jahr 1914 erforschte Strawinsky eine zurückhaltendere und strengere, wenn auch nicht weniger lebendige, rhythmische Art der Musikkomposition. Sein musikalisches Schaffen in den folgenden Jahren wird von kurzen Instrumental- und Gesangsstücken dominiert, die unterschiedlich auf russischer Folklore basieren Texte und Redewendungen sowie zum Ragtime und anderen Stilvorbildern der westlichen Pop- oder Tanzmusik. Einige dieser Experimente erweiterte er zu groß angelegten Theaterstücken.
Die Hochzeit, eine Ballettkantate, die Strawinsky 1914 begann und 1923 vollendete, basiert auf den Texten russischer Dorfhochzeitslieder. Die „Bauernhof-Burleske“ Renard (1916) basiert ebenfalls auf russischen Volksidiomen, während The Soldier’s Tale (1918), ein Mixed-Media-Stück mit Sprache, Pantomime und Tanz, begleitet von einer siebenköpfigen Band, integrieren auf eklektische Weise Ragtime, Tango und andere moderne Musiksprachen in einer Reihe höchst ansteckender Instrumentalsätze. Nach dem Ersten Weltkrieg begann der russische Stil in Strawinskys Musik zu verblassen, allerdings nicht vorher hatte mit den Sinfonien der Blasinstrumente (1920) ein weiteres Meisterwerk geschaffen.
Übergang zum Neoklassizismus
Die Kompositionen von Strawinskys erster Reife – von „Le Sacre du Printemps“ von 1913 bis zu den Symphonien der Blasinstrumente von 1920 – verwenden eine modale Sprache, die auf russischen Quellen basiert, und zeichnen sich durch ein äußerst ausgefeiltes Gespür für unregelmäßige Metren und Synkopen sowie durch brillante Orchesterkunst aus Meisterschaft.
Doch sein freiwilliges Exil aus Russland veranlasste ihn, seine ästhetische Haltung zu überdenken, und das Ergebnis war eine wichtige Veränderung in seiner Musik – er gab die russischen Merkmale seines frühen Stils auf und übernahm stattdessen eine neoklassizistische Sprache. Strawinskys neoklassizistische Werke der nächsten 30 Jahre nehmen normalerweise einen Bezugspunkt in der europäischen Musik der Vergangenheit – das Werk eines bestimmten Komponisten oder den Barock oder einen anderen historischen Stil – als Ausgangspunkt für eine höchst persönliche und unorthodoxe Behandlung, die dennoch von ihr abzuhängen scheint volle Wirkung auf die Erfahrung des Zuhörers mit dem historischen Vorbild, an dem Strawinsky angelehnt hat.
Die Strawinskys verließen 1920 die Schweiz und lebten bis 1939 in Frankreich, wobei Strawinsky einen Großteil dieser Zeit in Paris verbrachte. (Er nahm 1934 die französische Staatsbürgerschaft an.) Da Strawinsky während der Revolution sein Eigentum in Russland verloren hatte, war er gezwungen, seinen Lebensunterhalt als Interpret zu verdienen, und viele der Werke, die er in den 1920er und 1930er Jahren komponierte, wurden für seinen eigenen Gebrauch geschrieben ein Konzertpianist und Dirigent.
Zu seinen Instrumentalwerken der frühen 1920er Jahre gehören das Oktett für Blasinstrumente (1923), das Konzert für Klavier und Blasinstrumente (1924), die Klaviersonate (1924) und die Serenade in A-Dur für Klavier (1925). Diese Stücke kombinieren einen neoklassizistischen Stilansatz mit einer scheinbar selbstbewussten Strenge von Linien und Texturen. Allerdings wird die Strenge dieses Ansatzes in späteren Instrumentalstücken wie dem Violinkonzert in D-Dur (1931), dem Konzert für zwei Soloklaviere (1932–35) und dem Konzert in Es-Dur (oder Dumbarton Oaks-Konzert) für 16 Klaviere abgeschwächt Blasinstrumente (1938) bleibt eine gewisse kühle Distanz bestehen.
Obwohl Strawinsky in der russisch-orthodoxen Kirche aufwuchs, waren seine Eltern nicht sehr religiös. Dennoch erlebte Strawinsky 1926 eine Rückbesinnung auf die Religion seiner Kindheit, was sich wiederum spürbar auf seine Bühnen- und Vokalmusik auswirkte. Eine religiöse Belastung kann
lässt sich in so bedeutenden Werken wie dem Opernoratorium Oedipus Rex (1927), das ein lateinisches Libretto verwendet, und der Kantate Symphonie der Psalmen (1930), einem offenkundig geistlichen Werk, das auf biblischen Texten basiert, nachweisen. Religiöses Gefühl zeigt sich auch in den Balletten Apollon musagète (1928) und in
Persephone (1934).
Das russische Element in Strawinskys Musik tauchte in dieser Zeit gelegentlich wieder auf: Das Ballett Der Kuss der Fee (1928) basiert auf Musik von Pjotr
Iljitsch Tschaikowsky und die Symphonie der Psalmen weisen trotz ihres lateinischen Textes eine gewisse antike Strenge des russisch-orthodoxen Gesangs auf.
In den Jahren nach dem Ersten Weltkrieg wurden Strawinskys Beziehungen zu Diaghilew und den Ballets Russes erneuert, allerdings auf einer viel lockereren Basis. Das einzige neue Ballett, das Diaghilev bei Strawinsky in Auftrag gab, war Pulcinella (1920).
Apollon musagète, Strawinskys letztes von Diaghilew inszeniertes Ballett, wurde 1928 uraufgeführt, ein Jahr vor Diaghilews Tod und der Auflösung seiner Ballettkompanie.
Spätere Jahre in den Vereinigten Staaten
1938 starb Strawinskys älteste Tochter an Tuberkulose, und 1939, nur wenige Monate vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs, starben seine Frau und seine Mutter. Anfang 1940 heiratete er Vera de Bosset, die er seit vielen Jahren kannte. Im Herbst 1939 hatte Strawinsky die Vereinigten Staaten besucht, um an der Harvard University die Charles Eliot Norton Lectures zu halten (später veröffentlicht als The Poetics of Music, 1942), und 1940 ließen er und seine neue Frau sich endgültig in Hollywood, Kalifornien, nieder. Sie wurden U.S.
Bürger im Jahr 1945.
In den Jahren des Zweiten Weltkriegs komponierte Strawinsky zwei bedeutende symphonische Werke, die Symphonie in C-Dur (1938–40) und die Symphonie in drei Sätzen (1942–45). Die Symphonie in C-Dur stellt eine Zusammenfassung neoklassizistischer Prinzipien in symphonischer Form dar, während die Symphonie in drei Sätzen die wesentlichen Merkmale des Konzerts erfolgreich mit der Symphonie verbindet. Von 1948 bis 1951 arbeitete Strawinsky an seiner einzigen abendfüllenden Oper, The Rake’s Progress, einem neoklassizistischen Werk (mit einem Libretto von W. H. Auden und dem amerikanischen Schriftsteller Chester Kallman), das auf einer Reihe moralistischer Stiche des englischen Künstlers William Hogarth aus dem 18. Jahrhundert basierte. „The Rake’s Progress“ ist eine gespielt-ernste Pastiche der großen Oper des späten 18. Jahrhunderts, ist aber in seiner Brillanz, seinem Witz und seiner Raffinesse dennoch typisch Strawinskys Werk.
Der Erfolg dieser späten Werke verdeckte eine kreative Krise in Strawinskys Musik, und seine Lösung dieser Krise bestand darin, eine bemerkenswerte Sammlung später Kompositionen zu schaffen.
Nach dem Zweiten Weltkrieg war in Europa eine neue musikalische Avantgarde entstanden, die den Neoklassizismus ablehnte und stattdessen den seriellen oder 12-Ton-Kompositionstechniken der Wiener Komponisten Arnold Schönberg, Alban Berg und insbesondere Anton von Webern treu blieb. (Serielle Musik basiert auf der Wiederholung einer Reihe von Tönen in einem willkürlichen, aber festen Muster ohne Rücksicht auf die traditionelle Tonalität.)
Dieser tiefgreifende Wandel versetzte Strawinsky zunächst in eine kreative Depression, aus der er sich jedoch schließlich erholte und eine Reihe vorsichtig experimenteller Serienwerke schuf (die Kantate, das Septett, In Memoriam Dylan Thomas), gefolgt von zwei zeitweise seriellen Meisterwerken, dem Ballett Agon (abgeschlossen 1957) und das Chorwerk Canticum Sacrum (1955).
Diese wiederum führten zum Chorwerk Threni (1958), einer Vertonung der biblischen Klagelieder Jeremias, in der eine strenge 12-Ton-Kompositionsmethode zum Einsatz kam
wird auf gesängeähnliches Material angewendet, dessen Grundcharakter an frühere Chorwerke wie „Die Hochzeit“ und die Psalmensymphonie erinnert. In seinen Sätzen für Klavier und Orchester (1959) und seinen Orchestervariationen (1964) verfeinerte Strawinsky seinen Stil noch weiter, indem er eine Vielzahl geheimnisvoller serieller Techniken verfolgte, um eine Musik von zunehmender Dichte und Ökonomie zu unterstützen, die eine spröde, diamantene Brillanz besitzt. Strawinskys serielle Werke sind im Allgemeinen deutlich kürzer als seine tonalen Werke, haben aber einen dichteren musikalischen Inhalt.
Obwohl sich Strawinsky stets in einem mittelmäßigen Gesundheitszustand befand, setzte er seine kreative Arbeit bis 1966 in vollem Umfang fort. Sein letztes großes Werk, Requiem Canticles (1966), ist eine zutiefst bewegende Adaption moderner serieller Techniken an eine persönliche, fantasievolle Vision, die tief in seiner russischen Vergangenheit verwurzelt war. Dieses Stück ist eine erstaunliche Hommage an die kreative Vitalität eines Komponisten, der damals Mitte 80 war.
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Tracklist:
A Sagração da Primavera Primeira Parte: A Adoração da Terra 1. Introdução 2. Augúrios de Primavera / Dança das Adolescentes 3. Jogo do Rapto 4. Rondas da Primavera 5. Jogos das Tribos Rivais 6. Procissão do Sábio 7. O Sábio 8. Dança da Terra Segunda Parte: O Sacrifício 9. Introdução
10. Círculos Místicos das Adolescentes 11. Glorificação da Eleita 12. Evocação dos Ancestrais 13. Ação Ritual dos Ancestrais 14. Dança do Sacrifício. A Eleita O Pássaro de Fogo (Suíte, 1945) 15. Introdução 16. Prelúdio e Dança 17. Variações 18. Pantomima I 19. Pas-De-Deux 20. Pantomima II 21. Scherzo 22. Pantomima III. Rondó 23. Dança Infernal 24. Canção de Ninar 25. Hino Final Royal Philharmonic Orchestra